My Bloody Valentine's Isn't anything (1988) revealed a new genre inside the independent panorama: shoegaze. Called like that because of musicians’ habit of looking down at the ground, directly to their multi effects pedal, giving the feeling they were looking at their shoes. Given this, we can deduce what type of sound these bands would have: laden effects guitars (flanger, chorus, reverb, echo, and so on) that create a melody under which some voices were dragged, voices many times whisperings. Precedents were an amagalm of Velvet Underground's experimentation, no-wave's guitar symphonies (especially Sonic Youth), the Scots Jesus and Mary Chain's noise and pop mixture and Cocteau Twins dream pop. With this weapons as calling card many bands, like Slowdive, Pale Saints, Ride, The Verve, Blur or Lush came up in the United Kingdom.

Lush formed in 1987 by the guitarists Miki Berenyi (later singer, too) and Emma Anderson, who used to be friends since teenagers, along with bassist Steve Rippon (later replaced by Phil King), singer Meriel Barham (who left them for Pale Saints shortly after) and drummer Chris Acland. They were one of the most followed bands by the British alternative music press, even before they barely had published some singles. NME and Melody Maker, among others, were devoted to follow the activities of this nascent scene that was christened as “The Scene That Celebrates Itself” because all bands were attending each other’s gigs and hanging out together, being Lush girls the most active components and therefore most popular. After a series of singles and EP's (including the EP compilation Gala (1990)) quite promising, Lush released their first LP Spooky (1992), which didn't gain good reviews, because the producer Robin Guthrie was blamed of overproducing the band’s sound, drowning the melodic talent of the compositional duo to a multitude of effects and tricks of study (later, Lush admitted his displeasure with the sound of Spooky). For this reason, the band chose sound engineer Mike Hedges to co-produce their next album, looking for a more natural and closer to their live shows. The album would see the light in 1994 and would be named Split. But by then the industry had already perched their networks in another new and fresh style: Britpop. And the whispering voices and the melodies laden with effects were left aside.

1 – Light from a dead star

In Split, Lush mixed wisely their two main tendencies: the dream pop and the sonorous urgency inherited from the punk riot grrl. Light from a dead star is a track much closer to the dream pop with an ambient introduction which is added Miki Berenyi's voice, the guitar, the bass and the drums, building a mysterious melody in which fits perfectly her voice with guitarist Emma Anderson's choir in the background. Lyrics make reference to lost opportunities (“And now it's just too late/To wish me back again”). In fact, Split makes reference to relationships that do not work.

2 – Kiss Chase

The second track on the album is a half time dream pop with a rather straightforward treatment. The chorus is effective thanks to Miki's and Emma's voices combination. Here we find first Anderson's solo, whose particular way of playing defines the sound of Lush. In the final chorus they play again with their voices having two differentiated vocal lines.

3 – Blackout

The first song in the album written by Emma Anderson is a really fast dream pop, almost punk, with a good work of Chris Acland on the drums. The distorted guitar and the boomy bass tightly follow the punk line. However, the song is a little bit repetitive, though the choirs try to grant it with some ambience.

4 – Hypocrite

Hypocrite was the first single from Split (among Desire Lines), and it's a perfect fusion of dreamy and punk trends by the Londoner quartet. It counts with a good bass beginning by Phil King, and almost furious vocal interpretation with a catchy chorus. Lyrics are about the hypocrisy in relationships (You hypocrite, don't talk to me/Cause you're nt fit to know me), that almost sounds like a riot grrl/shoegaze anthem.

5 – Lovelife

Another song with a rather straightforward treatment. Here the voices sound buried in a melodic line tipically pop that looks like a try for the sound they would develop in their next album, maybe not casually titled as Lovelife. Its development is somewhat repetitive until a good game of voices arrives nearly at the end, trademark of Lush.

6 – Desire Lines

And here we arrive at the very first epic song composed by Emma Anderson (the other one is Never Never) which is probably the best one of this second band's album. Desire Lines is a melancholic ballad made from a little bit common riff, to which Miki Berenyi endows her best vocal interpretation in the album, with a tune that highlights the languishment of the song. It keeps growing until reaching a solo where Emma makes a fantastic work with her guitar taken out all of her creativity in a passionate “tour de force”. This is the best example that Emma Anderson is one of the most underrated guitarists of the 90. Then, everything goes back to the roots with a hardly surmountable coming-and-going lesson. Here the producer adds some orchestral arrangements that give the adecquate atmospheric touch without making it overloaded. Lyrics are surreal and deep (We hold parties in our sleep/we fill ourselves up in our sleep).

7 – The Invisible Man

Perhaps this is the most experimental and inaccessible track in Split, and closer to the sound of Spooky. It counts with a non-conventional structure where neither chorus nor verses can be heard. The voices are so gloomy that give the song a certain dreamy air. The good drum work by Chris Acland stands out here. A short track duration after the long and intense journey of Desire Lines is really welcome.

8 – Undertow

Undertow is one of the best compositions not only in the album but in the entire British band career too. It begins with a tribal-drum introduction and a semi-funky bass line by Phil King, possibly one of his best contributions in Lush. (King had been replaced Rippon after Spooky's recording). Berenyi carries out a solemn vocal interpretation combining his natural voice with a falsetto and towards the end with Anderson, with what seems to be a dialog between the two brains of the band. Its mixture works perfectly over the prodigious and intricate guitars, and the instrumentation fades out in a juicy end until leaving the two voices almost a cappella. Pure magic: it couldn’t be called any other way.

9 – Never – Never

Second progressive song written by Emma and which is like a twin sister of Desire Lines because it shares with it its main features: a simple and progressive riff, a melancholic tune, large duration, easy orchestrals arrangements and the controlled vocal work of Miki Berenyi. The first verses sound like a letany with vocal games by the Hungarian-Japanese singer. The solo is equally epic though it sounds more sober than in Desire Lines. However, it’s another imaginative travel delivered by Emma. The end is a little symphonic landscape.

10 – Lit Up

Lit Up is direct, simple and effective, maybe a signal of the most pop sound that would characterize next Lush work, Lovelife (1996). Guitar lines remember a lot Cocteau Twins’ Heaven or Las Vegas, a recognised influence of Lush. The message is positive and it’s said to talk about a better future (One day things won't seem the same way).

11 – Starlust

Starlust follows the same line of Lit Up but in a faster tempo and with a more experimental treatment. Guitars remind a lot to My Bloody Valentine in their Loveless era, especially in the instrumental passages. It belongs to that kind of songs that grows on you by repeated listens. Lyrics are about sexual content (Make you mine/Make me shine).

12 – When I Die

Emma Anderson's composition’s about the death of her father. It begins with a guitar in flanger effect and a soft tune. There aren’t any artifices here. The felt interpretation by Miki and the wind arrangements create a beauty and sad atmosphere. Chorus is a little bit simple but it gets better as the background voices come. Lyrics are a little surreal and mysterious but it seems it talks about not to be subjected to the face of death (She says she heard your voice/Of course she does, she has no choice).

Split should have been the album that could have taken the shoegaze to the mainstream if all the circumstances hadn't been against it. It had everything for it... great melodies, angelic and sensual voices, a band at its creative zenith, in better shape than never and perfectly formed, in a more commercial point of view, and the exoticism obvious attractive of red-headed Miki Berenyi and the sober and peaceful British beauty of Emma Anderson. Never before those ingredients had been put up in fair doses in a shoegaze album... My Bloody Valentine's Loveless was too inaccessible (and Kevin Shields too crazy), Slowdive's Souvlaki too trippy, and Ride's Nowhere too aggressive.

But as I said before, the circumstances played against it because they were in the middle of the last palpitations of grunge and the explosion of the patriotic Britpop. Besides this, by the time of Spooky, Lush had had fierce criticism from those journalists that later would hug without modesty the Britpop exaltation. As well, Split was unjustly forgotten and sank the group in a depression that was tear apart, curiosly, by releasing their very Britpop album Lovelife (1996). However, Split is Lush best work that shakes producer Robin Guthrie’s dogmatic impositions off, who stifled the band’s melodic talent in a very overproduced sound (but we shall not forget that For Love and Nothing Natural warned us about Lush's pop potential). Mike Hedges, the choice of the group to co-produce their next album, knew what they was brought between hands and left the Londoner quartet spread its potential out for the melodies thanks to the great talent of Emma Anderson's guitar and Miki Berenyi's voice, that acquires more security and forcefulness than ever. The rhythmical section of Phil King and Chris Acland fits perfectly the set, perfectly oiled.

The result is remarkable, with some of the best songs of their repertory, with some tracks ranging from the punk urgency sound (Blackout) to the most dreamy ones (Light from a dead star, Undertow...), the more pop (Lovelife, Lit Up...) or those which combine punk and dream pop (Hypocrite), and all of this with an uniform feeling in the lyrics, all inspired by the affective relationships that don’t work (and that's why the album is called Split). Perhaps this album is less experimental than Spooky and the previous EP's and singles (I recommend you to listen Gala (1990)), but it’s a logic (and correct) evolution in the sound of Lush, an evolution that would end with Lovelife (1996), an album where they left out their dreamy sound almost completely for more commercial songs influenced by the Britpop movement. Unfortunately, their success was short-lived because at the end of the promotional tour, Chris Acland killed himself at their parent's home, leaving the group devastated and opting for disbanding in 1998.

Isn’t anything (1988) de My Bloody Valentine alumbró un nuevo género en el panorama independiente: el shoegaze. Llamado así por la costumbre de los músicos de mirar fijamente (gaze) al suelo, directamente a su pedalera multiefectos, dando la impresión al público que se estaban mirando los zapatos (shoe). Visto esto, podemos deducir qué clase de sonido tendrían estas bandas: guitarras cargadas de efectos (flanger, chorus, reverb, echo,...) que van formando una melodía por debajo de la cuál se arrastran unas voces, muchas veces susurrantes. Los antecedentes eran una amalgama de la experimentación de la Velvet Underground, las sinfonías guitarreras de la no-wave (sobre todo Sonic Youth), la mixtura de noise y pop de los escoceses Jesus and Mary Chain y el dream pop de Cocteau Twins. Con estas armas por bandera surgieron en el Reino Unido grupos como Slowdive, Pale Saints, Ride, The Verve, Blur o Lush.

Lush, formados en 1987 por las guitarristas Miki Berenyi (después también cantante) y Emma Anderson, amigas de la adolescencia, junto al bajista Steve Rippon (luego reemplazado por Phil King), la cantante Meriel Barham (que los dejó por Pale Saints, poco después) y el batería Chris Acland, fueron una de las bandas más seguidas por la prensa musical alternativa británica, aun cuando apenas sí habían publicado algunos singles. NME y Melody Maker (entre otras) se dedicaron a seguir las actividades de esta incipiente escena que bautizaron como “La escena que se celebra a si misma” por la costumbre de sus miembros de asistir a los conciertos de las demás bandas y de hacer vida social con ellas, siendo las chicas de Lush las componentes más activas y por ello seguidas de la escena. Después de una serie de singles y EP’s (incluido el EP recopilatorio Gala (1990)) bastante prometedores, Lush realizaron su 1r LP Spooky (1992) que no obtuvo buenas críticas, pues achacaron al productor Robin Guthrie (Cocteau Twins) el haber sobreproducido el sonido del grupo, ahogando el talento melódico del dúo compositivo en multitud de efectos y trucos de estudio (más tarde, Lush admitió su disgusto con el sonido de Spooky). Por ello, el grupo escogió a su ingeniero de sonido, Mike Hedges para co-producir su siguiente álbum, buscando un sonido más natural y más cercano a sus directos. El disco vería la luz en 1994 y se titularía Split. Pero para entonces la Industria ya había posado sus redes en otro estilo novedoso y fresco: el brit pop. Y las voces susurrantes y las melodías cargadas de efectos dejaban de interesar.

1 – Light from a dead star

En Split, Lush mezclaron sabiamente sus dos tendencias mayoritarias: el dream pop y la urgencia sonora heredada del punk de raíz riot grrl. Light from a dead star es una tema mucho más cercano al dream pop con una introducción ambiental a la que se le va agregando la voz de Miki, la guitarra/bajo y la batería, construyendo una melodía misteriosa en la que encaja perfectamente la angelical voz de Miki Berenyi, con los coros de fondo de la guitarrista Emma Anderson. La letra hace referencia a oportunidades perdidas (And now it’s just too late/To wish me back again). Liricamente, Split gira entorno a relaciones que no funcionan.

2- Kiss Chase

La 2ª canción del álbum es un medio tiempo dream pop con un tratamiento bastante directo. El estribillo es efectivo gracias a la combinación de las voces de Miki y Emma. Aquí encontramos el primer solo de Anderson, cuya particular forma de tocar define el sonido de Lush. En el estribillo final vuelven a jugar con las voces al haber dos líneas vocales diferenciadas.

3- Blackout

El primer tema del álbum escrito por Emma Anderson es un dream pop rapidísimo casi punk, con un buen trabajo a la batería de Chris Acland. La guitarra distorsionada y el bajo retumbante siguen claramente la línea punk. Sin embargo, el tema es un poco repetitivo, a pesar de los coros que intentan dotarle de cierta ambientación.

4- Hypocrite

Hypocrite fue el primer single de Split (junto a Desire Lines) y se trata de una perfecta fusión de las tendencias dreamys y punkis del cuarteto londinense. Cuenta con un buen inicio de bajo por parte de Phil King, una interpretación vocal casi furiosa y un estribillo pegadizo. La letra trata de la hipocresía en las relaciones (You hypocrite, don’t talk to me/’cause you’re not fit to know me) y suena casi a un himno riot grrl/shoegaze. De nuevo, el sello típico de Anderson llega con el solo.

5- Lovelife

Otro tema con un tratamiento bastante directo. Aquí las voces suenan enterradas en una línea melódica típicamente pop que parece una prueba para el sonido que desarrollarían en su siguiente disco, quizás no casualmente titulado Lovelife. Su desarrollo es un tanto repetitivo hasta que llega un buen final con juego de voces, marca registrada de Lush.

6- Desire Lines

Y aquí llegamos al primer tema épico compuesto por Emma Anderson (el otro es Never Never) y que probablemente es el mejor de este segundo álbum del grupo. Desire Lines es una melancólica balada confeccionada a partir de un riff algo típico, al que Miki Berenyi dota con su mejor interpretación vocal del disco, de un tono que acentúa la languidez del tema. Va creciendo hasta llegar a un solo dónde Emma realiza un trabajo soberbio con su guitarra sacando toda su creatividad en un “tour de force” apasionado. Este es el mejor ejemplo de que Emma Anderson es una de las guitarristas más infravaloradas de los 90. Después, todo vuelve a su cauce en una lección de ida y venida difícilmente superable. Aquí el productor añade unos arreglos orquestales que dan el toque atmosférico adecuado sin recargar para nada. La letra es surrealista y profunda (We hold parties in our sleep/We fill ourselves up in our sleep).

7- The Invisible Man

Quizás el corte más experimental e inaccesible de Split, cercano al sonido de Spooky. Cuenta con una estructura poco convencional dónde apenas se atisba el estribillo ni los versos. Las voces tan tratadas son desconcertantes resultando en un cierto aire ensoñador. Aquí destaca el buen hacer en la percusión de Chris Acland . Se agradece la corta duración del tema después del largo e intenso viaje de Desire Lines.

8- Undertow

Undertow es una de las mejores composiciones no solo del álbum sino de toda la trayectoria de los británicos. Empieza con una introducción de batería tribal y una línea de bajo semi-funky de Phil King, posiblemente una de sus mayores aportaciones a Lush. (King había sustituido a Rippon después de la grabación de Spooky). Berenyi realiza una solemne interpretación vocal combinando su voz natural con el falsete y hacia el final con Anderson, con lo que parece establecerse un diálogo entre los 2 cerebros de la banda. Mixtura que funciona a la perfección en las prodigiosas guitarras intrincadas y en un jugoso final en el que la instrumentación va bajando de volumen hasta dejar las 2 voces casi a capella. No se puede calificar sino de magia pura.

9- Never-Never

2º tema progresivo escrito por Emma y que es como una hermana gemela de Desire Lines, pues comparte con ésta sus principales características: riff sencillo y progresivo, tono melancólico, minutaje extenso, sencillos arreglos orquestales y el contenido trabajo vocal de Miki Berenyi. La primera estrofa suena como una letanía con los juegos vocales de la cantante de ascendencia húngaro-japonesa. El solo es igualmente épico aunque suena más sobrio que en Desire Lines, sin embargo, es otro imaginativo viaje entregado por Emma. El final es un pequeño paisaje sinfónico.

10- Lit Up

Lit up es directo, sencillo y efectivo, quizás indicativo del sonido más pop que caracterizaría el siguiente trabajo de Lush, Lovelife (1996). Las líneas de guitarra recuerdan mucho a los Cocteau Twins de Heaven or Las Vegas, reconocida influencia de Lush.. El mensaje es positivo y parece hablar de un futuro mejor(One day things won’t seem the same way).

11- Starlust

Starlust sigue la línea de Lit Up pero en un tempo más rápido y con un tratamiento algo más experimental. Las guitarras recuerdan bastante a los My Bloody Valentine de Loveless, especialmente en las pasajes instrumentales. Es de los temas que gana con las escuchas. La letra es de contenido sexual (Make you mine/Make me shine).

12- When I Die

Composición de Emma Anderson por la muerte de su padre. Cuenta con una guitarra en flanger en una tonada suave y sin demasiados artificios. La interpretación sentida de Miki y los arreglos de viento crean una bella y triste atmósfera. El estribillo es un poco simple pero lo mejoran los coros. La letra es un poco surrealista y misteriosa pero parece hablar de no resignarse ante la muerte(She says she heard your voice/ Of course she does, she has no choice).

Split es quizás el disco que pudo llevar el shoegaze al mainstream si todas las circunstancias no hubieran estado en su contra. Lo tenía todo para ello...melodías rotundas, voces angelicales y sensuales, un grupo en su cenit creativo, en mejor forma que nunca y perfectamente ensamblado, y desde un punto de vista más comercial, el atractivo obvio del exotismo de la pelirroja Miki Berenyi y la sobria y tranquila belleza británica de Emma Anderson. Nunca estos ingredientes se habían hallado en sus dosis justas en otro disco del shoegaze...Loveless (My Bloody Valentine) era demasiado inaccesible (y Kevin Shields demasiado zumbado), Souvlaki (Slowdive) demasiado colgado, Nowhere (Ride) demasiado agresivo etc...

Pero como dije, las circunstancias jugaron en su contra pues se hallaban en medio de los últimos coletazos del grunge y la explosión patriótica del brit pop. Además, Lush habían tenido críticas feroces por Spooky, de aquellos periodistas que después abrazarían sin pudor la exaltación del british-style del brit pop, mucho más comercial que las demasiado sesudas experimentaciones sonoras del shoegaze. Así, Split fue injustamente olvidado y hundió al grupo en una depresión de la que saldrían con, curiosamente, el muy brit pop Lovelife (1996). Sin embargo, Split es de largo el mejor trabajo de Lush, que se sacuden las imposiciones dogmáticas del productor Robin Guthrie que ahogaba el talento melódico del grupo en un sonido demasiado sobreproducido (aunque que conste en acta, For Love y Nothing Natural avisaban del potencial pop de Lush). Mike Hedges, la elección del grupo para co-producir su siguiente álbum, sabía lo que se traía entre manos y dejó al cuarteto londinense desplegar su potencial para las melodías gracias al enorme talento de Emma Anderson a la guitarra y la voz de Miki Berenyi, que adquiere mayor seguridad y contundencia que nunca. La sección rítmica de Phil King y Chris Acland sostiene perfectamente el conjunto, perfectamente engrasado.

El resultado es notable, con algunas de las mejores canciones de su repertorio, con temas que van de la urgencia sonora del punk (Blackout), a los temas más ensoñadores (Light from a dead star, Undertow..), los más pop (Lovelife, Lit Up,...) o los que combinan el punk y el dream pop (Hypocrite), y todo ello con la sensación de uniformidad en las letras, todas inspiradas de alguna forma en las relaciones afectivas que no funcionan (por ello el disco se llama Split (en inglés = romper una relación)). Quizás el disco sea menos experimental que Spooky y que los anteriores EP’s y singles (escuchad Gala (1990)), pero es una lógica (y acertada) evolución en el sonido de Lush. Evolución que llegaría a su final con Lovelife(1996) un disco en el que aparcarían casi por completo su sonido ensoñador en favor de canciones más comerciales influidos por el movimiento brit pop. Por desgracia, el éxito que tuvieron con el disco fue efímero, pues al final de la gira promocional, Chris Acland se suicidaría en casa de sus padres, dejando al grupo devastado y optando por separarse en 1998.

Tras tres años desde el lanzamiento de su anterior disco, Ars Amandi regresan con un nuevo álbum que culmina la evolución empezada en Desterrado entre sueños (2006), es decir, este El rincón de los deseos (2010) es un disco de puro hard rock melódico. Nos encontramos algún cambio de miembros en el grupo, y cambio de productor, de Manolo Arias a Jorge Escobedo (guitarrista de Sôber y Skizoo), pero no parecen ser estos cambios muy influyentes en el estilo de la banda, cuya intención de realizar hard rock de corte americano ya se observaba desde su anterior disco de 2006. Si este cambio es a mejor o a peor depende mucho de las preferencias personales, pues está claro que el público más amante de un rock más internacional disfrutará más este álbum, muy directo, sencillo y con pocas complicaciones, melódico y de estribillos pegadizos, un “easy listening” podríamos decir, pues se trata de un disco de rock muy comercial, algo que, por otra parte, seguramente no gustará a quien eche de menos el heavy-rock de sus discos o su sonido “más español”, con resonancias del rock urbano. También se ha suavizado la seña de identidad del grupo, el toque de folk castellano, si bien sigue totalmente presente. Pero puede ser decepcionante que una banda que en sus inicios era tan “autóctona”, que realmente sonaban a “rock español” y que sorprendieron inventando lo que ellos mismos llamaron como “rock castellano”, termine evolucionando (o involucionando según se mire) hacia un sonido más “genérico”, más estándar sin duda. El rincón de los deseos (2006) es su álbum más convencional, esto es lo que puede no gustar a quienes Ars Amandi engancharan por su originalidad inicial, pero, al margen de esto, ¿es un buen disco? Puede decirse que sí, si bien no como los anteriores discos de la banda, sí encierra una buena cantidad de buenas canciones en el que es el álbum de sonido más homogéneo de la banda, sin duda se convierte en el disco hard-rockero del grupo.

Estaré aquí

Abre el álbum el tema que más conecta con los anteriores discos, por ser el que más tiene, aunque ya en mucha menor medida, aire “festivo”, y sobre todo por ser el más folky del disco, con Dani Aller tocando la gaita en las partes instrumentales. Aún así no deja de estar embargado por el sonido de este álbum, sirve pues de presentación al sonido de este disco, un rock duro pero no pesado como antes. Pudo haberse sacado más partido a la composición, que va entre unos versos a medio tiempo y un estribillo más rápido, pero el trabajo en la interpretación, tanto instrumental como vocal, es bastante notable.

Deseos

El tema que da nombre al álbum, una canción sobre los deseos que podemos tener, es muy representativo del sonido del disco, rock duro pero melódico, composiciones sencillas y musicalidad contagiosa. El problema de este tipo de música es basarse tanto en el estribillo, pero la canción cumple dentro de estos parámetros y tiene, como en el resto del álbum, un buen trabajo de guitarras.

El monte caído

Uno de los temas que más puede recordar a anteriores discos es esta El monte caído, aunque ante todo siga la línea hard rock del álbum. No sólo está basado en estribillos pegadizos sino también en un “crescendo” musical, así pues este tema que denuncia los incendios forestales tiene un primer minuto reposado en donde va construyéndose la melodía para después pasar al folk-rock característico del grupo.

1º de la E.S.O.

Denuncia del “bullying” en un tema que sin embargo tiene unas melodías animadas, con momentos para la dulzaina, para ofrecer una visión con salida a esta problemática. Es una canción con una composición pegadiza que funciona bien como tema de melodía contagiosa, seguramente por ello se decidió que fuera el single.

Castellae

Como es habitual, dedican una canción a una provincia castellana, en este caso le toca a Burgos, con el que posiblemente es el tema más enérgico del disco. No llega al nivel de las anteriores canciones dedicadas a provincias, pero sigue siendo un tema disfrutable.

Sin recuerdos

Canción sobre el alzheimer con unos versos más cuidados que otros temas del disco, aunque con un estribillo con menos fuerza. Posiblemente lo mejor de este tema que simplemente llega a correcto es su buena base rítmica que consigue lo que pretenden todas las canciones de este disco, ser un tema pegadizo.

Tiempo perdido

Este corte rezuma algo de melancolía aunque como es habitual en el grupo, sin caer en la amargura, sino más bien enfocado desde el optimismo y la superación, algo que casa con el animado medio tiempo de hard rock con el que se ha construido la canción.

Todo empieza aquí

Medio tiempo de A.O.R. cercano a la balada que se abre con una bella melodía de pito castellano para después pasar al algo reposado leitmotiv rockero del tema. Dani Aller hace un buen trabajo a las voces y los coros añaden emoción al estribillo.

Paraíso fugaz

Tema sobre la superación de las dificultades de la vida, una moraleja vital muy directa que por ello tiene una letra en segunda persona, con el optimismo característico de la banda. Este tipo de temas en anteriores discos eran más festivos, por lo que resulta interesante que este tema no sea necesariamente tan rápido y, en todo caso, no deja de ser pegadizo. Los ritmos de guitarra imprimen de fuerza a la vitalista canción.

La tierra se apaga

Canción sobre el cambio climático que destaca por unos enérgicos riffs hard-rockeros, con un buen trabajo de guitarras. El bajo cobra fuerza en las partes más lentas y el pito castellano tiene un momento hacia la mitad del tema, jugando con el puente de guitarras. Posiblemente es uno de los mejores temas del álbum.

Brindemos

La canción tabernera del disco y la que más se amolda al concepto de “tema himno”, empieza con tranquilidad pero va adquiriendo fuerza con la melodía de las guitarras, acercándose a la power ballad. Aporta poco a las canciones del grupo de este tipo.

Conclusiones

El rincón de los deseos (2010) sigue la línea de Ars Amandi, con letras cotidianas, alegres y optimistas, sobre las ilusiones y esperanzas de la vida, con temas de interés social, como el bullying y el alzheimer, y con su rock con toques de folk castellano, si bien se incide menos en esto del folk-rock, pero a la vez supone un giro más comercial con el que es su álbum más melódico, con canciones sencillas. Siempre han buscado mucho lo pegadizo pero en esta ocasión más que nunca, si bien esta vez poco hay de lo festivo de anteriores discos. Se han acercado a un rock más internacional, más genérico podríamos decir, y también con un sonido más homogéneo, lo que puede desagradar a quienes gustara el grupo por su rock tan español de sus inicios, muy cercanos por entonces al rock urbano, y por su mayor mezcla. En general el nivel de los temas es decente dentro de sus bajas pretensiones, apenas hay temas mediocres, la gran mayoría son entre correctos y buenos, pero tampoco podemos decir que haya ninguna gran canción. Es un buen álbum de hard rock americano y melódico, y en base a la afinidad con este estilo y la importancia que se le dé a lo que haya podido perder el grupo resultará más o menos atractivo el que es el álbum más sencillo, directo, y en definitiva, comercial, de la banda.

-6-

- Paco Antequera

El grupo vallisoletano nunca ha sido muy dado a las versiones, aunque con diversas participaciones en discos homenaje parecen haberle cogido gusto, y es que este álbum se trata de un disco de versiones. Tras regresar al puro y duro rock celta con 40 de Abril (2008), con Introversiones (2010) prosiguen recabando en los orígenes de la musicalidad de la banda. Por ello, tras muchos años, vuelven a adaptar temas tradicionales de la música celta, y es que lo céltico es lo que caracteriza este álbum, el primer sonido que Celtas Cortos abrazaron como banda, cambiando el folclore de sus interiores tierras castellanas por el más norteño y atlántico folk celta, ya que tras el paso de varios miembros en grupos de folk castellano como Almenara (banda con cierto éxito en Castilla-León que grabaron dos discos), estos músicos formaron lo que sería Celtas Cortos optando por una música folk que les convertía en una “rara avis” en su tierra. Pero más singulares resultaban aún por meter un violín y un saxo con guitarras eléctricas, y es que desde siempre han prestado atención a los sonidos más frescos, a probar sin temor todo tipo de melodías. Por ello, este disco sirve de homenaje a las bandas que inspiraron el peculiar sonido de Celtas Cortos, a grupos como The Pogues y Oysterband. No han podido incluir al final temas de bandas querían versionar como Silvio Rodriguez, Gwendal, Milladoiro, Pata Negra y Mano Negra, y es que desde luego no podrían caber en el disco todas las bandas que han inspirado al grupo.

Hablando de cómo este álbum mira a los inicios del grupo cabe mencionar también que Juan Ignacio Cuadrado regresa como productor. Él produjo los cuatro primeros discos, hasta que fueron cambiando de productor en cada disco desde que se inclinaron abiertamente más por el rock con En estos días inciertos (1996), y hay que decir que su regreso a la producción de un disco de Celtas Cortos es brillante. Nos encontramos con el álbum más celta del grupo desde hace mucho tiempo, podría decirse que desde Cuéntame un cuento (1991). Ciñéndose al rock celta, hay pocos momentos para otras fusiones, y prácticamente tampoco encontramos las letras de crítica social habituales en el grupo. Lo que sí encontramos es un exquisito trabajo melódico, con una musicalidad de folk-rock de gran belleza que hace pensar en verdosos paisajes creados por un grupo que viene de tierras de secano, y es que, de nuevo, vuelven a demostrar su gran talento como músicos, apoyados en canciones ya convertidas en clásicos. Quizá se echa de menos más exhibición técnica, ese virtuosismo instrumental casi “jazzístico” en donde los instrumentos se funden y juegan entre sí con gran pericia, pero han querido no desviarse demasiado de las composiciones originales, alcanzando de todas maneras una labor musical impecable como prácticamente es habitual en el grupo. Como se puede deducir, han aprobado, y con nota, la prueba de hacer un álbum de versiones, donde como sabemos las comparaciones pueden mucho, sin embargo han conseguido sacar mucho de las composiciones que tenían entre manos y, también, podemos decir que se ha hecho con cuidadoso respeto hacia los distintos temas musicales, por ello incluso han optado por dejar en su idioma original tres canciones. Si alguien quiere escuchar tanto los temas originales (o tocados por otros grupos los temas tradicionales) como los de este álbum, puede hacerlo a través de estos enlaces de spotify:

http://open.spotify.com/user/celtascortos/playlist/3ktU5rjP7r9vmYrPL9TxrU
http://open.spotify.com/album/429B2xusrEYa2548pbnLMu

Blues del pescador
(Fisherman's Blues - The Waterboys)

Uno de los grupos versionados que no proviene del ámbito del folk es The Waterboys, liderados por el escocés Mike Scott, banda que, sin embargo, se ha movido con varios discos en el rock celta. El hecho de ser una banda de un ámbito muchísimo más grande que el del folk como es el ámbito del rock hizo que contribuyesen a popularizar el folk celta, y es que algo tienen que ver con el “boom celta” que llegó en los 90. Celtas Cortos se vieron muy influidos por su primer álbum de rock celta, Fisherman's Blues (1988), de tal manera que no por casualidad el tema que daba nombre a ese disco es el que abre Introversiones (2010) y el primer single de este disco.

Esta Blues del pescador recoge la esencia originaria de Celtas Cortos, un medio tiempo rockero, que ensambla con gusto lo eléctrico y lo acústico, bañado en luminosas melodías célticas, con algo de presencia de instrumentos de viento, es decir, con el saxo realzando el toque blusero de la canción. El trabajo tanto en lo melódico como en los arreglos es sencillamente impecable, dejando patente el sobresaliente nivel habitual de estos músicos, y Cifuentes hace una buena labor vocal con su registro agudo en una canción de amor de tan fácil escucha como brillante acabado.

Vida gris
(Granite Years - Oysterband)

Oysterband es una banda nacida en los 80 heredera del electric folk británico, la corriente de folk-rock nacida en Inglaterra a finales de los 60 con Fairport Convention, influyendo en el surgimiento del rock celta en Irlanda, Escocia, la Bretaña francesa y otros lugares. Como dije, Oysterband proviene de esta corriente, y progresivamente se influyeron de bandas coetáneas como The Pogues y The Waterboys en sus discos de rock celta, adoptando unas bases más rockeras, y por otra parte fueron tratando temáticas socio-políticas en sus letras, ¿nos suena esto?, pues sí, Celtas Cortos tienen un importante parecido con este grupo, yo diría que de todas las bandas a las que versionan en este álbum, ésta es con la que mayor similitud guardan, siendo una de sus más claras influencias.

La afinidad entre ambas bandas hace que ésta no sea la primera vez que una hace algo relacionado con la otra, y es que Cifuentes colaboró a las voces en Granite Years del disco Deserters (1992), después en Trawler (1994) Oysterband fueron los primeros en homenajear a la otra banda, versionando 20 de Abril. Ahora, con Introversiones (2010), Celtas Cortos son ya quienes versionan a Oysterband, precisamente con la canción Granite Years, tema impregnado de la alegría de la música celta pero con lo que, en realidad, se dibuja el contenido de una letra melancólica ante el trascurrir rutinario de la vida, realizando una buena versión del tema de Oysterband.

Lucha de gigantes
(Lucha de gigantes - Nacha Pop)

No podía faltar una representación del pop-rock español, ya que Celtas Cortos beben mucho de éste y, quizá, puede decirse que es al ámbito al que más pertenecen y de donde proviene la mayor parte de su público. Quizá por el fallecimiento de Antonio Vega en 2009, escogieron versionar un tema suyo que hizo con Nacha Pop, cantante al que siempre han admirado mucho. Como muchas canciones de las que versionan en este álbum, es un tema que no es fácil de versionar por la dificultad de estar a la altura de tan grande composición, Antonio Vega tenía un gran talento para expresar la tristeza que le imbuía, sin embargo Celtas Cortos logran estar completamente a la altura del tema de Antonio Vega, integrando la rica musicalidad de la banda en la íntima sencillez de la canción, sin recargarla más de lo necesario pero pintándola de bellos colores que trasmiten sentimientos con mucha fuerza. Esta canción logra posicionarse entre las grandes baladas del grupo.

Star of the County Down
(Star of the County Down - Tema tradicional)

Adaptación de un tema de la música tradicional irlandesa manteniendo su texto original en inglés, a la vez es un homenaje a The Chieftains y Van Morrison que lo interpretaron en su álbum conjunto Irish Heartbeat (1988). En los primeros treinta segundos se nos presenta con un sonido acústico que luego da paso al enérgico rock celta, con la banda sacándole musicalmente todo el partido posible a esta vieja balada irlandesa.

Breizh positive
(Breizh positive - Ar Re Yaouank)

Celtas Cortos siempre han mantenido una buena y cercana relación con nuestros vecinos franceses, por lo que decidieron incluir un tema de la música bretona. Pero en lugar de versionar a Alan Stivell, por decir el que sería el más obvio, versionan no a un grupo que influyera en el sonido originario de la banda sino a una banda coetánea a ellos, Ar Re Yaouank, que también se lanzó al mercado discográfico a finales de los 80 y tuvo su apogeo en los 90, y es que además las influencias bretonas de Celtas Cortos surgieron sobre todo en discos avanzados, por lo que se inspiraron también en bandas como estos Ar Re Yaouank, grupo de folk bretón con cierta influencia del celta-rock heredada de Alan Stivell como suele ser habitual en los grupos de folk bretón. Celtas Cortos son muchísimo más rockeros y esto es lo primero que se nota a la hora de comparar el tema original y la versión, Celtas Cortos han ejecutado un poderoso tema instrumental que, esté a la altura o no del corte de Ar Re Yaouank, es un buen tema.

Fiesta
(Fiesta - The Pogues)

Una de las grandes influencias de Celtas Cortos son los ingleses The Pogues, que con su vocalista Shane MacGowan al frente trasgredieron la escena folk de los 80, incorporando a su rock celta un aire punk, por su tono irreverente y estilo crudo, siendo la banda de la que nació el “punk celta”. La elección del tema que se versiona les pega porque la canción, Fiesta, está precisamente dedicada a España, aunque mejor dicho, nace de las vivencias del grupo en la Feria de Almería aprovechando su participación en el rodaje de la película Directos al infierno / Straight to Hell (1987), ofreciendo una descacharrante visión tópica de España por otra parte típica de los turistas extranjeros. Pero de fiesteros, al menos en lo musical, nada tienen que envidiar Celtas Cortos a The Pogues, realizando un tema tan animado como el de la banda inglesa en donde acompañan los instrumentos de viento y añaden cierto toque de ska verbenero.

Malditos vecinos
(Malditos vecinos - Kojón Prieto y los Huajolotes)

Al igual que Ar Re Yaouank, Kojón Prieto y los Huajolotes surgieron cuando Celtas Cortos ya habían iniciado su carrera discográfica, así que no son una de sus influencias iniciales pero sí de la evolución del grupo, aunque sobre todo los han incluido porque son una de las bandas que escuchaban en los viajes. Kojón Prieto y los Huajolotes estaban liderados por “Eskroto” (Marco Antonio Sanz de Acedo), que antes fue cantante del mítico grupo de rock radical vasco Tijuana in Blue, y realizaban folk mexicano con esencia punk, denominando su estilo con el nombre de napar-mex en referencia a la mezcla de lo navarro con lo mexicano. Celtas Cortos versionan Malditos vecinos, el tema más singular de Introversiones (2010) por tratarse de una ranchera, y mientras la original transmite un mayor hastío conscientemente, en la versión de Celtas Cortos hay una más intensa musicalidad dentro del ritmo lento del tema.

El marinero borracho
(Drunken Sailor - Tema tradicional)

Canción marinera de la música tradicional irlandesa con la que también se homenajea a Nuestro Pequeño Mundo, que la incluyeron en su primer álbum, El folklore de Nuestro Pequeño Mundo (1968), banda que tocaba temas de las músicas tradicionales del mundo y en donde estaba el productor de este álbum, Juan Ignacio Cuadrado. A las voces estaba su mujer, Pilar Alonso, que en este disco fue la encargada de adaptar al castellano la letra de esta versión de Drunken Sailor. Es un animado tema folkie en el que se cuenta una historia, la del marinero borracho, con coros que refuerzan el aire marinero de la canción, acelerándose el ritmo hacia mitad del minutaje.

Todo cambia
(Todo cambia - Mercedes Sosa)

La argentina Mercedes Sosa es la representación latinoamericana en este álbum, tierra de la que desde sus principios ha sido una influencia para Celtas Cortos y que con el tiempo adquiriría mayor importancia en el conjunto de su fusión musical. Contar a los navarros Kojón Prieto y los Huajolotes en representación de latinoamerica ya sería mucho más dudoso. Todo cambia, en realidad, es un tema del chileno Julio Numhauser, pero Celtas Cortos han tomado de referencia la magnífica versión de Mercedes Sosa, transformando su folk argentino en la sonoridad céltica que construyen las melodías de acordeón, violín y whistle. La banda le imprime la emoción que encierra esta canción y Cifuentes hace una buena utilización de su registro vocal, realizando una acertada versión.

Category
(Category - Moving Hearts)

Los irlandeses Moving Hearts bebían del rock celta especialmente de la banda de folk irlandés progresivo Horslips, pero intentaron ahondar más en la fusión folk mezclando la música irlandesa con el jazz-rock, y aquí encontramos otra de las bandas de referencia del sonido de Celtas Cortos, pues aparte de su sonido eléctrico de guitarras y su batería, formando su base rockera, y de su sonido folk, con instrumentos como el violín y la flauta, el tercer elemento de importancia en Celtas Cortos son los vientos, instrumentos como el saxo y el trombón, con los que al principio apoyaban su toque jazzístico para posteriormente expandir su sonido también a influencias latinoamericanas.

El tema versionado de la banda liderada por Dónal Lunny es la instrumental Category, un buen ejemplo de la mezcla de folk celta, rock y jazz que caracterizaba a Moving Hearts. Fiel a la estructura del tema original aunque como no es de extrañar con mucha más fuerza rockera, pero en líneas generales comparte su protagonismo de la mixtura entre la cálida cadencia jazzística y los luminosos ritmos celtas, manteniendo un sonido cohesionado pese a su gran variedad tímbrica, y es que muchos grupos de fusión fallan al no saber mezclar diferentes músicas. En este tema muchos de los instrumentos habituales en las melodías del grupo tienen bastante presencia, obteniendo un tema de heterogénea pero coherente musicalidad y buena ejecución.

Aita semeak
(Aita semeak - Oskorri)

El régimen franquista trató de eliminar la pluralidad del folclore español, apropiándose de unos estilos y hundiendo en el ostracismo a otros. Oskorri fueron, junto a Nuestro Pequeño Mundo, el grupo más destacado de los 70 en rescatar otra forma de folk diferente a las establecidas por la dictadura. Son el grupo de referencia del folk vasco, y también de su modernización, influyéndose para ello del rock celta de entonces, desde el electric folk inglés de Fairport Convention hasta el folk-rock bretón de Alan Stivell, lo que deja patente la cercanía y conexión entre el folk vasco y el celta, si es que el primero no formara parte del segundo. Celtas Cortos versionan Aita semeak manteniendo la letra en euskera y realizando una espléndida adaptación que se convierte en uno de los mejores temas del álbum.

Vamos Eileen
(Come on Eileen - Dexys Midnight Runners)

El conjunto inglés de pop y soul liderado por Kevin Rowland introdujo toques de folk celta en su álbum Too-Rye-Ay (1982), donde está su “hit” Come on Eileen que Celtas Cortos adaptan con la intención de versionar un tema de pop celta. Los violines conducen las animadas melodías de esta canción que tal vez peca de ser muy directa, pero ésa era la intención, un tema ligero, fácil de escuchar y muy pegadizo que el grupo resuelve con su gran oficio habitual.

Shenandoah (intro de Gur Millis Mórag)
(Shenandoah - Tema tradicional)
(Gur Millis Mórag - Tema tradicional)

Tema del folk estadounidense que también ha sido adaptado muchas veces por bandas de folk celta por los lazos de unión entre las músicas tradicionales de ambos lados del Atlántico. Celtas Cortos incluyen como introducción a la canción el tema tradicional escocés Gur Millis Mórag, y mantienen en inglés Shenandoah, realizando una poderosa interpretación musical cargada de la belleza de la música celta, poniendo un buen cierre para Introversiones (2010).

Conclusiones

Este álbum supone un regreso y, sobre todo, un homenaje, a las raíces folk de Celtas Cortos, aunque ya sin tantos temas instrumentales como en sus primeros discos, que es donde siempre más han mostrado el lado más celta del grupo. La selección de grupos y temas es muy acertada, reflejando sobre todo a grupos que fueron innovadores en los 80, y de cuya siembra Celtas Cortos recogieron mucho para germinar su estilo de rock celta y fusión, aunque un disco de este tipo se quede corto para representar toda la lluvia de influencias que cayó sobre el grupo pero, posiblemente, de las inspiraciones más fundamentales quienes faltaron fueron Gwendal, junto a The Pogues y Oysterband la principal influencia del sonido originario de Celtas Cortos. Este tipo de discos son más sencillos por una parte, pero más difíciles por otra, por el asunto de las comparaciones, y es que versionar clásicos y estar a la altura es difícil, y puede decirse que Celtas Cortos pasan de sobras la prueba, dejando con este álbum una buena cantidad de temas de calidad, alcanzando tras el resultado más moderado de 40 de Abril (2008) el alto nivel que siempre suelen mantener.

-8-

- Paco Antequera

Un día posiblemente lluvioso de 1991, Geoff Barrow conoció a Beth Gibbons. Barrow, hijo de un pueblo cerca de Bristol (Gran Bretaña) llamado Portishead, había trabajado con Massive Attack en la producción de su primer álbum: era el chico del té y a veces se encargaba de los aparatos de grabar. Lo llamaban “el chico de Portishead”, así que, cuando se decidió a emprender su propio proyecto, qué mejor que ponerle su mismo apodo. Por su lado, Gibbons, criada en una granja en Exeter (Gran Bretaña), empezaba su carrera musical haciendo pequeñas actuaciones en bares de Bristol. En 1993, dos años más tarde de aquel primer encuentro, nació la banda Portishead. Dummy es el primer fruto del duo (aunque cuentan con el apoyo de Adrian Utley en la guitarra y el sintetizador) de Bristol. Este álbum fue el primero del género trip‐hop que llegó al mainstream y cuya fama cruzó el Atlántico. Contiene 11 pistas, de las cuales tres fueron publicadas también como singles: Numb, Sour times y Glory Box. Al empezar a escuchar el disco, uno de los primeros detalles del que nos damos cuenta es la particular voz de Gibbons, capaz de transmitir desde la más profunda tristeza hasta la más fuerte de las pasiones; siempre acompañada de un ritmo lento, casi letárgico. Mysterons nos muestra la tendencia generalmente oscura del disco. La segunda pista, Sour times, la canción más emblemática de este primer proyecto, es algo más rápida que la anterior, con un acompañamiento más cargado y en general da una sensación de más ligereza. Sigue Strangers, que empieza con un movimiento orquestal pero se vuelve más seca y dura, con una batería mucho más marcada. It Could be sweet es un tema que proporciona un ambiente extrañamente sensual. Wandering star vuelve a oscurecer el sonido del disco. Luego llegamos a It’s a fire, una canción con un ritmo algo más animado que el de las anteriores, lo que no significa que las letras acompañen esa disimulada sonrisa. Numb es ya desde el principio una canción con un ritmo que notamos como pesa en la cabeza, aunque hay que fijarse que la voz de Gibbons es más clara y un poco más enérgica que en la mayoría de temas. La siguiente pista es Roads, una canción que, escuchada con detenimiento, pone la carne de gallina: una letra extremadamente triste, acompañada de violines y un ritmo de balada que, aunque posiblemente la haga de las canciones más directas del álbum, no le hace perder sentimiento. Pedestal empieza con unos ‘scratches’ al más puro estilo hip‐hop que nos devuelven por un momento al mundo. El antepenúltimo tema es Biscuit: permanecen los ‘scratches hiphoperos’ y se añade una voz masculina en partes de la pista. Y al final nos espera Glory box, una joya entre la tristeza y otra vez esa extraña sensualidad. La frase “Give me a reason to love you?”, el solo de guitarra eléctrica en la mitad de la canción y un peculiar auge de distorsión antes de acabar en fade out hacen que se comprenda porque la revista Rolling Stone lo contó entre los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.

Provenientes de Athens (Georgia, EEUU), REM realizaron uno de los debuts más impresionantes de los 80, Murmur (1983). Con el tiempo facturarían álbumes mucho más famosos, con canciones que se convertirían en clásicos instantáneos y entrarían de cabeza en el mainstream, pero jamás volverían a hacer un disco tan atemporal como Murmur.
Cuando IRS publicó el debut de REM, en 1983, no había un grupo que sonara ni remotamente parecido al sonido de este LP; era la época de la new wave, música cargada de sintetizadores y por el otro lado, el hard rock, con sus solos de guitarra. Las dos reglas que se autoimpusieron los chicos de Athens fueron no usar sintetizadores y no hacer solos de guitarra...y así a lo largo de sus 13 temas, crean un sonido único a medio camino entre el post punk, el rock y el jangle pop, algo que los medios especializados no supieron ubicar y que tuvieron que acabar creando la difusa etiqueta de “alternativo”. También se les ubicaría en el “college rock”, junto a grupos indies como 10.000 Maniacs, The Smiths o The Replacements, pues las emisoras universitarias era las únicas que pinchaban sus temas.
El disco se inicia con Radio Free Europe, que sería su primer single, y que ya contiene los elementos típicos de la primera época de REM; riffs de guitarra melódicos, batería contundente y sencilla y la lírica confusa y oscura de Stipe. Talk about the passion es un medio tiempo que se convertirá en una de las joyas de la época de REM en IRS, igualmente destaca Perfect Circle, una suave y melancólica balada liderada por una guitarra acústica country muy a lo Byrds (marca de clase del grupo), Catapult, quizás el tema más directo y más recordado de Murmur, gracias a un estribillo claro y el uso de los coros, otra de las características del sonido del grupo o Shaking Through, una pequeña joya semi-olvidada en el repertorio de REM, pero que se trata de un corte muy bien elaborado, con una magnífica melodía vocal por parte de Michael Stipe, la típica guitarra Byrdesca, un estribillo tremendamente adictivo y una indescifrable y por ello misteriosa letra, que será uno de los rasgos definidores de los primeros trabajos del cuarteto norteamericano. Murmur no tuvo unas ventas demasiado buenas, pero obtuvo magníficas críticas por parte de los medios, siendo incluso nombrado disco del año por parte de la revista Rolling Stone, batiendo a discos míticos como Thriller de Michael Jackson o War de U2.

Algunos creen que Pearl Jam es de los pocos artistas que aún saben reivindicar con la cabeza alta el nombre del rock n’ roll. Sus conciertos de más de 2 horas, con setlists variadísimos, interpretaciones emocionales, a ratos rabiosas, a ratos sosegadas, son de lo mejor que hoy en día podemos encontrar en un panorama en el que el rock puro y duro tiene más de falsa visceralidad que de sincera vitalidad. Eddie Vedder, Stone Gossard, Mike McCready, Jeff Ament y Matt Cameron están en la cuarentena, así que ya no son aquellos jovencitos que más que vivir el rock, lo sufrían, nos entregaban sus mejores años, se desgarraban y nos volcaban todo eso en un larga duración ...pero gracias a esta experiencia y esta madurez, son capaces de ofrecernos a estas alturas uno de sus mejores discos del SXXI (sino el mejor...). Pearl Jam (2006) era casi una vuelta a los primeros años; Backspacer es un disco que no transmite nostalgia, sino madurez.

1- Gonna see my friend

Caña a tope en la línea de Last Exit (Vitalogy), Once (Ten) o Breakerfall (Binaural): un inicio al más puro estilo Pearl Jam . Eddie muestra su tono más agresivo en una canción sin posibilidad de descanso, con una guitarra sucia y potente. Destaca el buen hacer a la percusión de Matt Cameron a mitad de tema.

2- Got some

Tema de punk rock con influencias ochenteras que se va acelerando hasta llegar a un clímax final bien logrado. De nuevo, la labor de Cameron a la batería es notable, especialmente los redobles del inicio. Los coros dotan de profundidad a uno de los mejores cortes del disco, especialmente en su faceta rockera, pues una de las virtudes de este álbum es la diferenciación entre temas rockeros (más bien punks) y los temas más pausados, que lejos de ser dos partes separadas, se entremezclan muy bien sin dejar que pierda frescura en casi ningún momento. A estas alturas ya percibimos un tono alegre en este trabajo de los americanos, algo bastante inédito en el devenir del grupo.

3- The Fixer

The Fixer es el primer single de Backspacer. Se trata, quizás, del single más pop que han sacado en toda su trayectoria. Realmente se acerca más a un power pop de unos Foo Fighters más vitalistas. Tema muy pegadizo, con unos excelentes coros, un estribillo que no se te va la cabeza y con una letra que parece hablar de lo que Eddie aporta en la banda (“When somethings dark Lemme shed a little light on it”), a modo de contrapeso. Se nota el color que da el productor Brendan O’Brien; aquí con un pequeño arreglo de piano hacia la mitad. De aquellas canciones que resultan extrañas para un grupo como Pearl Jam, pero que gana con las escuchas y demuestra la versatilidad de los chicos de Vedder. Lástima del final en fade out...

4- Johnny Guitar

Cuenta Eddie en una entrevista, que la inspiración para esta canción le vino cuando vio en el lavabo del estudio dónde grababan, un poster de un disco de Johnny Guitar. Imagino lo que haría en dicho lavabo, pues el tema cuenta con riff hard rockero bastante mugriento, claramente ochentero... El desarrollo final también está muy bien, con esos “yeah yeah” tan habituales en este disco, sin embrago, Johnny Guitar se nos hace demasiado repetitiva por el ritmo cansino de la guitarra y el bajo, y el fade out final tampoco ayuda.

5- Just Breathe

Eddie Vedder viene de hacer la BSO de Into The Wild, film dirigido por su amigo Sean Penn, y que se considera su primer trabajo en solitario. Muchos se preguntaban como encajaría esto en su banda, en Pearl Jam, y la primera respuesta está aquí, en Just Breathe. Ésta aprovecha el riff de Toulumne, de Into the Wild, para construir una balada folkie de mensaje escatológico (“Nothing you would take,.. everything you gave. Hold me till I die,..Meet you on the other side.”) pero que más que a funeral, suena a paz interior. Just breathe cuenta con unos arreglos sencillos pero resultones, básicamente cuerda y viento, pero realmente no acaba de despegar ni de emocionar. Jeff ,al bajo, lleva el ritmo.

6- Amongst the waves

Topamos aquí con el primer tema hímnico de Backspacer, un medio tiempo en la línea de un Given to fly con unas idas y venidas que encajan perfectamente con la letra surfera que nos recuerda uno de los hobbies favoritos de Vedder (“Riding high amongst the waves...I can feel like I”). Otra vez, la letra parece hablar de una madurez cercana a la muerte, pero como de atardecer otoñal más que como fatal final (“put away my early grave”). Mike McCready nos entrega uno de los mejores (y pocos) solos de guitarra del disco.

7- Unthought Known

Principado con un riff muy típico de Eddie, parecido al de Wishlist (Yield). Es otro tema que empieza contenido y que según avanza crece y explota guiado por un piano de fondo que surge a la superficie en un delicioso movimiento que recuerda a los que introdujo Rick Parashar en el disco homónimo de Temple of the Dog (en especial en Times of trouble y Call me a dog). Sin duda, de lo mejor de Backspacer.

8- Supersonic

Tema punk tipo Lukin o Comatose, que Pearl Jam suelen introducir a mitad de disco, pero que aquí suena más alegre y pasado por el tapiz ochentero. Stone Gossard construye un riff con una intro clavada a la de Mankind (corte que ya compuso Stone), de fácil digestión pero realmente pegadiza. No es el mejor tema de Backspacer, pero es muy agradecido. McCready vuelve a meter un buen solo en la pequeña jam central.

9- Speed of sound

Speed of sound es uno de los cortes del disco más arriesgados, y aunque el resultado final no es excesivamente positivo si lo comparamos con su ambición, no se trata de un experimento totalmente fallido. Funcionaría mucho mejor en acústico, pues los arreglos saturan un poquito una canción con una soberbia melodía vocal facturada por Vedder. Otra vez, es una balada surgida de los descubrimientos de Eddie en Into the Wild.

10- Force of nature

Force of nature es el tema más genuinamente Pearl Jam de todo el disco y no por casualidad, compuesto por Mike McCready que por momentos nos hace pensar que es el que conserva la esencia “jammer” más pura del quinteto. Es un corte urgente, con una guitarra en wah wah que impulsa al tema durante todo su minutaje, sin aristas, sin rasguños, redondo de principio a fin, con un Eddie inconmensurable dándole un toque glorioso a un notable puente y mejor estribillo. De los de antes, pero con la sabiduría de los años alcanzados. Destacable outro final interpretado por Mike, y que nos retrotrae al furioso y ruidoso final de Rearviewmirror (Vs.).

11- The End

Pearl Jam acostumbra a cerrar sus discos con temas memorables, dejando un buen sabor de boca. No en vano, Indifference (Vs.), Inside Job (Pearl Jam) o Release (Ten) son clásicos inmortales (Inmortality) del grupo. The End entra en esta categoría, un gran broche final para un Backspacer que nos muestra a un grupo en buena forma (no excelente) y con ganas aún de seguir adelante, a pesar de la forma de titular este último corte. No podía ser de otra manera que esta balada tenga su antecedente en la BSO de Into the Wild, en cuanto a su tonalidad folkie. Partiendo de una guitarra acústica, construye una suave tonada sencilla en sus arreglos, mecida por la cálida voz de Vedder. La letra como a lo largo del álbum, conecta con la idea de la muerte, pero tiene más de reafirmación vital y de madurez conseguida que de angustia o rabia, como se solían interpretar las líricas pearljamianas en la etapa “grunge”. El final es un poco como un “coitus interruptus” pero parece un guiño al verso final “My dear...The End...Comes near...I’m here...But not much longer”.

Si, es verdad, Backspacer es el disco pop de Pearl Jam. No, no se han convertido en Nickelback ni han recurrido a Timbaland como su buen amigo Chris Cornell (ex Soundgarden y ex Audioslave). Simplemente se trata del disco más vitalista, más alegre y si, más popero (¿qué son sino The Fixer o Supersonic?) que han compuesto jamás. Y funciona, porqué si tuviéramos que definir en poquitas palabras la principal característica de su ya, noveno disco de estudio, es la facilidad con la que entra este disco, de tan solo 34 minutos de duración.

No se puede decir que sea un disco totalmente diferente del anterior, del denominado por los fans “Aguacate”, pues al menos el cuarteto compuesto por Gonna see my friend, Got some, The Fixer y Johnny Guitar tienen la urgencia y visceralidad de aquél prometedor inicio compuesto por Life Wasted, World Wide Suicide, Comatose y Severed Hand. Pero el devenir del álbum se nos muestra lejos del estilo de “Aguacate”, más setentero que el ochentero Backspacer.

Backspacer no es un disco que se escape mucho de lo que nos venían ofreciendo el quinteto de Seattle, así, no es un disco de ruptura a lo No Code (1996) ni Binaural (2000), pero tiene la suficiente versatilidad y experimentalismo para no retratarlo de disco comodón como muchos grupos de su edad suelen hacer. Como hemos dicho antes, el disco es vitalista y alegre, temática poco sobada por parte de los de Vedder, que solían usar sus trabajos como experiencia catártica a medio camino entre la reafirmación y la poesía macabra, pues bien, el tema central del disco recae en la madurez, el final de la vida y la válvula de escape (ahh el surf...Amongst the waves).

Otro rasgo bastante novedoso en el repertorio de la banda del noroeste es el uso de los arreglos, quizás algo más sofisticados que antaño, aunque en honor de la verdad, no siempre les funciona (Speed of sound suena mejor sin esos arreglos); pero vale la pena solo por los teclados que O’ Brien introduce en Unthought Known., uno de los mejores cortes. No solo en esta última, tambien Amongst the waves o The Fixer tienen teclados, quizás influencia de sus admirados The Who, cuyos recurrentes teclados eran marca de la casa. Si en No Code (1996) el núcleo del disco recaía en los temas tranquilos y Vs (1993) en los temas cañeros, Backspacer mantiene una buena combinación de temas relajados y temas más urgentes. Todo tiene su qué, se nota la buena mano del grupo para escoger el tracklist y la ubicación de cada tema, para no crear bajones como pasó en discos más que correctos como Riot Act (2002) o Pearl Jam (2006) que se diluían a medida que avanzaban (Jeff Ament, bajista, lo aseguró así en una reciente entrevista, que conste...). En cambio el mejor tema del disco para quién esto escribe, Force of nature, es el penúltimo y otro destacable, Got Some es el segundo...

También notamos una clara influencia ochentera en temas como Got Some o The Fixer, que no era muy habitual en unos Pearl Jam más deudores de los clásicos setenteros como Led Zeppelín, Jimi Hendrix o The Who. Backspacer destaca mucho más por su homogeinedad que por contener temazos, es decir, no podemos igualarlo a discos como Ten o Vitalogy porqué a parte de Amongst the waves, Unthought Known o Force of nature, las demás canciones no se convertirán en clásicos legendarios de la banda, pero si que podemos afirmar que es uno de los discos más equilibrados de los últimos años, que seduce por su conjunto. Sin embargo, no podemos obviar que Speed of sound tiene unos arreglos que la saturan, que Just Breathe pierde con las escuchas por su inofensividad, que Johnny Guitar se hace repetitiva y que solo la salva un muy buen final o que el disco en general, carece de melodías rotundas (lo siento, Amongst the waves no llega a la perfección sonora de Corduroy) a pesar de los notables intentos en la citada Amongst the waves o Unthought Known. Asimismo, a veces, huelen un poco los autoplagios, especialmente la introducción de Supersonic que es casi el mismo punteo que el de Mankind (al menos ambos son de Stone...) No obstante, después de dos discos solo correctos como Riot Act y Pearl Jam, Backspacer suena mucho más fresco. “Rock n’ roll will never die” como dice el amigo Neil Young

Que el futuro de la industria musical es un tanto incierto es algo sabido, estando en el aire el rumbo que tomará el mercado de la música. Es decir, que esto de vender CDs empieza a estar un tanto obsoleto, al permitir la tecnología formas de acceso con mayor difusión. El CD, de hecho, se comercializó por su comodidad y difusión, suplantando al vinilo, que tenía mayor calidad auditiva. Vamos, que la industria musical fue a sacar tajada cuanto más mejor. Cuando, por tanto, el público de la música se inclina por la comodidad antes que por la calidad, no es de extrañar que Internet se haya convertido en el principal medio de difusión musical. Dejando de divagar, voy a lo que voy, y es que en esto que aparecen RIX, liderados por “Miguel Rix”, que sabiendo que de donde se saca dinero es de los conciertos, ponen sus discos por descarga directa en su propia web, seguramente porque además se les han debido cerrar las puertas de la industria musical. Lo que hacen RIX es, tal vez, el futuro, o al menos una opción de futuro, una prácticamente autogestión de la banda. Miguel Rix se lo ha currado sirviéndose de Internet para promocionarse, llamando la atención del público rockero por su interesante propuesta, ofreciendo una visión fresca del rock combativo y un sonido diferente al habitual rock duro patrio. Si algo destaca en el grupo, son las letras, ya que prima más el contenido que el continente, es decir, el mensaje es el motor de la banda, y la música es sólo un instrumento, no un fin en sí mismo. Algo que nos podría introducir en un interesante debate, si el condicionamiento del arte a lo social lo devalúa, o por el contrario, lo enriquece. A quien piense esto último es muy posible que le atraiga la propuesta de RIX. Personalmente, me alegra mucho ver a alguien tan inconformista como Miguel Rix en esta sociedad donde incluso mucho de lo supuestamente rebelde está domesticado. De RIX puede asegurarse que no están domados, siendo uno de los grupos de rock más iconoclastas del país, aunque se les pueda achacar quizá una actitud muy mesiánica. Pero, desde luego, hacen que la libertad de expresión sea algo que vale la pena, estrujándola a tope. El problema es que las buenas intenciones superan a los resultados, y cuando una banda se fija unas ambiciones tan altas como las de RIX, hay que exigirles más que a un grupo más intrascendente.

La mencionada utilización de la música para comunicar un determinado discurso es algo que, realmente, lo extienden al propio arte. Así pues, RIX no es sólo un grupo de música, sino que utilizan cualquier medio para comunicar su mensaje, especialmente la literatura, compartiendo Miguel Rix también por descarga libre varios de sus libros. Las citas al cine y a la literatura son habituales en las canciones de RIX. De hecho, prima tanto el mensaje que es habitual la inclusión de voz en off en las canciones con citas y discursos, lo que para muchos puede ser abusivo, pero que deja claro que o se conecta con el mensaje o RIX pueden resultar muy pesados. Los propios discos suelen ser un tanto conceptuales, estableciéndose una unión con otras cosas como ensayos o novelas, escritos o no por Miguel Rix. En todo caso, en lo musical también intentan crear una propuesta novedosa, con influencias diferentes a las habituales en la parte dura del rock español. Pueden, realmente, gustar tanto a punks como a heavys, o incluso a alternativos, que es más o menos donde se les podría ubicar. En su primer álbum, Vuestros hijos bastardos (2005), se pueden observar ya sus interesantes influencias, eso sí, con un rock celta que los acerca a los también asturianos Dixebra, aunque influidos sobre todo por los británicos Skyclad, pero esta inclusión del folk era un tanto “de pegote”, introducida más por gusto que por enriquecer realmente a la banda, no es de extrañar que dejasen esta influencia a un lado en los siguientes discos. Este álbum llamó la atención del público rockero y empezaron a darse a conocer a nivel estatal, incluso según ellos tuvieron bastantes ofertas de discográficas que rechazaron para poder seguir teniendo el control absoluto sobre su música. Finalmente, desde entonces llegan a acuerdos puntuales con pequeñas discográficas y distribuidoras sin que éstas metan mano, y siguen compartiendo su música por Internet, apostando por el copyleft. Su segundo disco, o “trabajo conceptual” porque ellos son conscientes que lo de los discos está obsoleto por Internet, fue Al lobo dormido (2006), en donde dejan de lado el rock celta y se pasan al rock industrial, profundizando en lo que les hace diferentes dentro del rock español con rasgos de after-punk y metal gótico. Álbum que les consolida, indicando en su propia web sus 60.000 descargas, una especie de disco de oro de Internet. Su tercera obra, La máquina perfecta (2008), profundiza en el arte conceptual, acercándose al género idóneo para ello, el rock sinfónico. Éste, su cuarto álbum, Evolución: Iluminatti vs. Sapiens (2009), sigue ubicándose en el rock ambiental que caracteriza al grupo, incluso potenciándolo, lo que lo hace uno de sus discos más difíciles para el público, acercándose a Al lobo dormido (2006) pero menos electrónico. El fuerte del álbum son más que nunca las letras, profundizando más en quiénes están tras el poder. La temática conceptual del álbum gira en torno a la conspiración de los Iluminatti, todo un atrevimiento que entra de lleno en el terreno de la teoría, por lo que como es habitual en la banda, hay un tanto de paja mental ideológica. Cabe pensar cómo afectará el paso del tiempo a este disco, en el que hay tanta especulación, pero en todo caso, sean o no los sucesores de los Iluminatti los que están tras la banca y las multinacionales, la realidad de éstas últimas es reflejada de manera incontestable en este álbum. Así que, antes de desgranar los temas de este trabajo musical, dejo la web del grupo en donde se puede descargar el álbum además de contener links a información alternativa a los mass-media.

1 - Iluminatti

Miguel Rix muestra otro frente de batalla, la radio, con su programa online La célula revolucionaria de mariskalrock.com. Entre diversos efectos sonoros, extractos de su entrevista al periodista alternativo Rafa Pal. Esta interesante entrevista se encuentra completa en la propia descarga de este álbum.

2 - Ying contra Yang

Trata la guerra de sexos, tema escrito sin que encierre mucha reflexión y con el no mucho valor lírico habitual de la banda, por lo que la letra no es destacable pero, posiblemente, se trata de la primera canción del álbum por ser la más accesible, un corte bastante pegadizo de funk-rock embellecido por los melodiosos coros de Cristina Aura, característicos en el sonido del grupo.

3 - Aburridos

Crítica sin mucho tino al consumismo pero con un sonido que refleja acertadamente el tedio de las personas que basan su vida en comprar mediante un tono de blues con el aire atmosférico característico de la banda. Hacia el final cuenta con un correcto puente de guitarra junto a un coro de Cristina Aura.

4 - Moda absurda

El álbum empieza a alcanzar mayor nivel con esta canción de sonido más característico del grupo, un tema de rock electrónico ataviado de buenos riffs, también con pizcas de guitarras con melodías folk que están bien encajadas en un tema de aires tan sintéticos, construyendo una atmósfera exótica.

5 - Farmacia

Dentro de este álbum, éste es el tema más acelerado, con una buena base rítmica durante los versos. El rock industrial proporciona un sonido frio que encaja perfectamente en la crítica a la industria farmacéutica de este tema que lleva a cabo con corrección los cambios de tiempo sin que decaiga el constante ritmo.

6 - Network

Extracto de la visionaria película Network (1976) de Sydney Lumet, en la que la televisión serviría para idiotizar a la sociedad.

7 - Enemigo

Miguel Rix escribe una letra “orwelliana” de las que tanto le gustan en donde se resume mucho del mensaje del álbum. Es una de las mejores canciones del disco con el rock siniestro característico de la banda dando forma a un gélido leitmotiv que transmite el desazonador mensaje.

8 - Sapiens?

Mensaje subversivo contra lo que se esconde detrás de nuestras falsas democracias en un medio tiempo de riffs metaleros en el que la voz en off de Miguel Rix cobra especial importancia, siendo una de las canciones del disco en las que más fuerza tiene la crítica política.

9 - Los niños, los árboles y los ancianos

Inspirada en parte por un libro de Ignacio Abella, este corte crítica la incomunicación en sus diferentes formas tanto hacia los niños como hacia los ancianos, y también hacia los árboles y cómo el ser humano se aleja de la naturaleza y de sus necesidades de grupo por tanto para ser cada vez más individualista. Cristina Aura hace los coros con estilo folk, raigambre tradicional que se potencia con los teclados que ella introduce, simulando instrumentos de cuerda, en especial con pizzicatos, aunque hubiera sido deseable que se hubieran mojado más a la hora de fusionar con el rock.

10 - Lobos sueltos fuera de Matrix

Si en anteriores temas la inclusión de folk era moderada, en este tema ya sí cobra mucho protagonismo, con la evocadora armonía del didgeridoo (instrumento del folk aborigen australiano). Hay una auto-referencia, podría decirse, respecto a la temática del álbum Al lobo dormido (2006), pero introducida en el asunto de los Iluminatti de este disco, incluyendo voces en sanscrito evocando a la organización masónica de los antiguos Iluminatti. Cuando más lejos llegan con las letras, como es el caso, más interés despierta el grupo pues llegan hasta donde no muchos se atreven a llegar.

11 - Evolución

Una letra clara y directa que es el perfecto cierre del álbum, resumiéndolo de alguna manera y en sí recogiendo la esencia del grupo, la de compartir la información para evolucionar y así luchar contra el sistema. Recupera el rock sinfónico de La máquina perfecta (2008), siendo por tanto el trabajo musical más técnico del álbum. Tras el positivo mensaje finaliza el tema recuperando el tenebroso sonido del didgeridoo y las voces en sanscrito, para recordar que los Iluminatti mueven los hilos.

Evolución: Iluminatti vs. Sapiens (2009) no es uno de los mejores discos de RIX, aunque es apreciable que profundicen en su rock ambiental, sin caer en la concesión comercial de “hacer caña” porque sí. Miguel Rix canta... como siempre, y como puede... mientras que Cristina Aura es el segundo miembro más importante de la banda, engalanando las canciones con su atractiva voz y creando buena parte de las atmósferas con los teclados. Pero lo relevante del álbum son las letras, más por su contenido que por su lírica. Esto condiciona, sin duda, la percepción que se tenga sobre el álbum, siendo difícil su valoración al situarse en un extremo muy subjetivo, y es que para quienes no comulguen con su mensaje es posible que no se vean atraídos por el rock siniestro del grupo, mientras que para quienes sí encontramos cosas muy interesantes en lo que cuentan sí vemos bastante sustancia en el concepto de la banda. De hecho, los discos quizá no son lo más importante, incluso hay quienes consideran que vienen a ser acompañamientos de las novelas de Miguel Rix, algo así como sus bandas sonoras. El disco es el “reclamo”, por así decir, es el hilo del que tirar y tirar e ir recogiendo más información, y es que el grupo reivindica los medios alternativos para difundir información. Es una banda “producto de Internet”, podría decirse, por haber sabido utilizar este medio tanto para darse a conocer como para transmitir sus ideas, lo que hoy día se llama cyberactivismo. Pero, concluyendo, no es un álbum de grandes canciones, hay unos cuantos temas destacables y poco más, aunque se agradece que los mejores temas no estén colocados los primeros, sino que el disco va mejorando según se escucha, y aunque no sorprenden tanto como antes, siguen siendo interesantes, no sólo en lo letrístico sino también en lo musical, aunque ambos aspectos sean un tanto irregulares. En todo caso, para quienes buscan lo que el grupo ofrece, es una banda interesante a la que acercarse, pero de momento si uno evalúa cual maestra petulante este trabajo, puede decirse; progresa adecuadamente.