Isn’t anything (1988) de My Bloody Valentine alumbró un nuevo género en el panorama independiente: el shoegaze. Llamado así por la costumbre de los músicos de mirar fijamente (gaze) al suelo, directamente a su pedalera multiefectos, dando la impresión al público que se estaban mirando los zapatos (shoe). Visto esto, podemos deducir qué clase de sonido tendrían estas bandas: guitarras cargadas de efectos (flanger, chorus, reverb, echo,...) que van formando una melodía por debajo de la cuál se arrastran unas voces, muchas veces susurrantes. Los antecedentes eran una amalgama de la experimentación de la Velvet Underground, las sinfonías guitarreras de la no-wave (sobre todo Sonic Youth), la mixtura de noise y pop de los escoceses Jesus and Mary Chain y el dream pop de Cocteau Twins. Con estas armas por bandera surgieron en el Reino Unido grupos como Slowdive, Pale Saints, Ride, The Verve, Blur o Lush.

Lush, formados en 1987 por las guitarristas Miki Berenyi (después también cantante) y Emma Anderson, amigas de la adolescencia, junto al bajista Steve Rippon (luego reemplazado por Phil King), la cantante Meriel Barham (que los dejó por Pale Saints, poco después) y el batería Chris Acland, fueron una de las bandas más seguidas por la prensa musical alternativa británica, aun cuando apenas sí habían publicado algunos singles. NME y Melody Maker (entre otras) se dedicaron a seguir las actividades de esta incipiente escena que bautizaron como “La escena que se celebra a si misma” por la costumbre de sus miembros de asistir a los conciertos de las demás bandas y de hacer vida social con ellas, siendo las chicas de Lush las componentes más activas y por ello seguidas de la escena. Después de una serie de singles y EP’s (incluido el EP recopilatorio Gala (1990)) bastante prometedores, Lush realizaron su 1r LP Spooky (1992) que no obtuvo buenas críticas, pues achacaron al productor Robin Guthrie (Cocteau Twins) el haber sobreproducido el sonido del grupo, ahogando el talento melódico del dúo compositivo en multitud de efectos y trucos de estudio (más tarde, Lush admitió su disgusto con el sonido de Spooky). Por ello, el grupo escogió a su ingeniero de sonido, Mike Hedges para co-producir su siguiente álbum, buscando un sonido más natural y más cercano a sus directos. El disco vería la luz en 1994 y se titularía Split. Pero para entonces la Industria ya había posado sus redes en otro estilo novedoso y fresco: el brit pop. Y las voces susurrantes y las melodías cargadas de efectos dejaban de interesar.

1 – Light from a dead star

En Split, Lush mezclaron sabiamente sus dos tendencias mayoritarias: el dream pop y la urgencia sonora heredada del punk de raíz riot grrl. Light from a dead star es una tema mucho más cercano al dream pop con una introducción ambiental a la que se le va agregando la voz de Miki, la guitarra/bajo y la batería, construyendo una melodía misteriosa en la que encaja perfectamente la angelical voz de Miki Berenyi, con los coros de fondo de la guitarrista Emma Anderson. La letra hace referencia a oportunidades perdidas (And now it’s just too late/To wish me back again). Liricamente, Split gira entorno a relaciones que no funcionan.

2- Kiss Chase

La 2ª canción del álbum es un medio tiempo dream pop con un tratamiento bastante directo. El estribillo es efectivo gracias a la combinación de las voces de Miki y Emma. Aquí encontramos el primer solo de Anderson, cuya particular forma de tocar define el sonido de Lush. En el estribillo final vuelven a jugar con las voces al haber dos líneas vocales diferenciadas.

3- Blackout

El primer tema del álbum escrito por Emma Anderson es un dream pop rapidísimo casi punk, con un buen trabajo a la batería de Chris Acland. La guitarra distorsionada y el bajo retumbante siguen claramente la línea punk. Sin embargo, el tema es un poco repetitivo, a pesar de los coros que intentan dotarle de cierta ambientación.

4- Hypocrite

Hypocrite fue el primer single de Split (junto a Desire Lines) y se trata de una perfecta fusión de las tendencias dreamys y punkis del cuarteto londinense. Cuenta con un buen inicio de bajo por parte de Phil King, una interpretación vocal casi furiosa y un estribillo pegadizo. La letra trata de la hipocresía en las relaciones (You hypocrite, don’t talk to me/’cause you’re not fit to know me) y suena casi a un himno riot grrl/shoegaze. De nuevo, el sello típico de Anderson llega con el solo.

5- Lovelife

Otro tema con un tratamiento bastante directo. Aquí las voces suenan enterradas en una línea melódica típicamente pop que parece una prueba para el sonido que desarrollarían en su siguiente disco, quizás no casualmente titulado Lovelife. Su desarrollo es un tanto repetitivo hasta que llega un buen final con juego de voces, marca registrada de Lush.

6- Desire Lines

Y aquí llegamos al primer tema épico compuesto por Emma Anderson (el otro es Never Never) y que probablemente es el mejor de este segundo álbum del grupo. Desire Lines es una melancólica balada confeccionada a partir de un riff algo típico, al que Miki Berenyi dota con su mejor interpretación vocal del disco, de un tono que acentúa la languidez del tema. Va creciendo hasta llegar a un solo dónde Emma realiza un trabajo soberbio con su guitarra sacando toda su creatividad en un “tour de force” apasionado. Este es el mejor ejemplo de que Emma Anderson es una de las guitarristas más infravaloradas de los 90. Después, todo vuelve a su cauce en una lección de ida y venida difícilmente superable. Aquí el productor añade unos arreglos orquestales que dan el toque atmosférico adecuado sin recargar para nada. La letra es surrealista y profunda (We hold parties in our sleep/We fill ourselves up in our sleep).

7- The Invisible Man

Quizás el corte más experimental e inaccesible de Split, cercano al sonido de Spooky. Cuenta con una estructura poco convencional dónde apenas se atisba el estribillo ni los versos. Las voces tan tratadas son desconcertantes resultando en un cierto aire ensoñador. Aquí destaca el buen hacer en la percusión de Chris Acland . Se agradece la corta duración del tema después del largo e intenso viaje de Desire Lines.

8- Undertow

Undertow es una de las mejores composiciones no solo del álbum sino de toda la trayectoria de los británicos. Empieza con una introducción de batería tribal y una línea de bajo semi-funky de Phil King, posiblemente una de sus mayores aportaciones a Lush. (King había sustituido a Rippon después de la grabación de Spooky). Berenyi realiza una solemne interpretación vocal combinando su voz natural con el falsete y hacia el final con Anderson, con lo que parece establecerse un diálogo entre los 2 cerebros de la banda. Mixtura que funciona a la perfección en las prodigiosas guitarras intrincadas y en un jugoso final en el que la instrumentación va bajando de volumen hasta dejar las 2 voces casi a capella. No se puede calificar sino de magia pura.

9- Never-Never

2º tema progresivo escrito por Emma y que es como una hermana gemela de Desire Lines, pues comparte con ésta sus principales características: riff sencillo y progresivo, tono melancólico, minutaje extenso, sencillos arreglos orquestales y el contenido trabajo vocal de Miki Berenyi. La primera estrofa suena como una letanía con los juegos vocales de la cantante de ascendencia húngaro-japonesa. El solo es igualmente épico aunque suena más sobrio que en Desire Lines, sin embargo, es otro imaginativo viaje entregado por Emma. El final es un pequeño paisaje sinfónico.

10- Lit Up

Lit up es directo, sencillo y efectivo, quizás indicativo del sonido más pop que caracterizaría el siguiente trabajo de Lush, Lovelife (1996). Las líneas de guitarra recuerdan mucho a los Cocteau Twins de Heaven or Las Vegas, reconocida influencia de Lush.. El mensaje es positivo y parece hablar de un futuro mejor(One day things won’t seem the same way).

11- Starlust

Starlust sigue la línea de Lit Up pero en un tempo más rápido y con un tratamiento algo más experimental. Las guitarras recuerdan bastante a los My Bloody Valentine de Loveless, especialmente en las pasajes instrumentales. Es de los temas que gana con las escuchas. La letra es de contenido sexual (Make you mine/Make me shine).

12- When I Die

Composición de Emma Anderson por la muerte de su padre. Cuenta con una guitarra en flanger en una tonada suave y sin demasiados artificios. La interpretación sentida de Miki y los arreglos de viento crean una bella y triste atmósfera. El estribillo es un poco simple pero lo mejoran los coros. La letra es un poco surrealista y misteriosa pero parece hablar de no resignarse ante la muerte(She says she heard your voice/ Of course she does, she has no choice).

Split es quizás el disco que pudo llevar el shoegaze al mainstream si todas las circunstancias no hubieran estado en su contra. Lo tenía todo para ello...melodías rotundas, voces angelicales y sensuales, un grupo en su cenit creativo, en mejor forma que nunca y perfectamente ensamblado, y desde un punto de vista más comercial, el atractivo obvio del exotismo de la pelirroja Miki Berenyi y la sobria y tranquila belleza británica de Emma Anderson. Nunca estos ingredientes se habían hallado en sus dosis justas en otro disco del shoegaze...Loveless (My Bloody Valentine) era demasiado inaccesible (y Kevin Shields demasiado zumbado), Souvlaki (Slowdive) demasiado colgado, Nowhere (Ride) demasiado agresivo etc...

Pero como dije, las circunstancias jugaron en su contra pues se hallaban en medio de los últimos coletazos del grunge y la explosión patriótica del brit pop. Además, Lush habían tenido críticas feroces por Spooky, de aquellos periodistas que después abrazarían sin pudor la exaltación del british-style del brit pop, mucho más comercial que las demasiado sesudas experimentaciones sonoras del shoegaze. Así, Split fue injustamente olvidado y hundió al grupo en una depresión de la que saldrían con, curiosamente, el muy brit pop Lovelife (1996). Sin embargo, Split es de largo el mejor trabajo de Lush, que se sacuden las imposiciones dogmáticas del productor Robin Guthrie que ahogaba el talento melódico del grupo en un sonido demasiado sobreproducido (aunque que conste en acta, For Love y Nothing Natural avisaban del potencial pop de Lush). Mike Hedges, la elección del grupo para co-producir su siguiente álbum, sabía lo que se traía entre manos y dejó al cuarteto londinense desplegar su potencial para las melodías gracias al enorme talento de Emma Anderson a la guitarra y la voz de Miki Berenyi, que adquiere mayor seguridad y contundencia que nunca. La sección rítmica de Phil King y Chris Acland sostiene perfectamente el conjunto, perfectamente engrasado.

El resultado es notable, con algunas de las mejores canciones de su repertorio, con temas que van de la urgencia sonora del punk (Blackout), a los temas más ensoñadores (Light from a dead star, Undertow..), los más pop (Lovelife, Lit Up,...) o los que combinan el punk y el dream pop (Hypocrite), y todo ello con la sensación de uniformidad en las letras, todas inspiradas de alguna forma en las relaciones afectivas que no funcionan (por ello el disco se llama Split (en inglés = romper una relación)). Quizás el disco sea menos experimental que Spooky y que los anteriores EP’s y singles (escuchad Gala (1990)), pero es una lógica (y acertada) evolución en el sonido de Lush. Evolución que llegaría a su final con Lovelife(1996) un disco en el que aparcarían casi por completo su sonido ensoñador en favor de canciones más comerciales influidos por el movimiento brit pop. Por desgracia, el éxito que tuvieron con el disco fue efímero, pues al final de la gira promocional, Chris Acland se suicidaría en casa de sus padres, dejando al grupo devastado y optando por separarse en 1998.

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