Que el futuro de la industria musical es un tanto incierto es algo sabido, estando en el aire el rumbo que tomará el mercado de la música. Es decir, que esto de vender CDs empieza a estar un tanto obsoleto, al permitir la tecnología formas de acceso con mayor difusión. El CD, de hecho, se comercializó por su comodidad y difusión, suplantando al vinilo, que tenía mayor calidad auditiva. Vamos, que la industria musical fue a sacar tajada cuanto más mejor. Cuando, por tanto, el público de la música se inclina por la comodidad antes que por la calidad, no es de extrañar que Internet se haya convertido en el principal medio de difusión musical. Dejando de divagar, voy a lo que voy, y es que en esto que aparecen RIX, liderados por “Miguel Rix”, que sabiendo que de donde se saca dinero es de los conciertos, ponen sus discos por descarga directa en su propia web, seguramente porque además se les han debido cerrar las puertas de la industria musical. Lo que hacen RIX es, tal vez, el futuro, o al menos una opción de futuro, una prácticamente autogestión de la banda. Miguel Rix se lo ha currado sirviéndose de Internet para promocionarse, llamando la atención del público rockero por su interesante propuesta, ofreciendo una visión fresca del rock combativo y un sonido diferente al habitual rock duro patrio. Si algo destaca en el grupo, son las letras, ya que prima más el contenido que el continente, es decir, el mensaje es el motor de la banda, y la música es sólo un instrumento, no un fin en sí mismo. Algo que nos podría introducir en un interesante debate, si el condicionamiento del arte a lo social lo devalúa, o por el contrario, lo enriquece. A quien piense esto último es muy posible que le atraiga la propuesta de RIX. Personalmente, me alegra mucho ver a alguien tan inconformista como Miguel Rix en esta sociedad donde incluso mucho de lo supuestamente rebelde está domesticado. De RIX puede asegurarse que no están domados, siendo uno de los grupos de rock más iconoclastas del país, aunque se les pueda achacar quizá una actitud muy mesiánica. Pero, desde luego, hacen que la libertad de expresión sea algo que vale la pena, estrujándola a tope. El problema es que las buenas intenciones superan a los resultados, y cuando una banda se fija unas ambiciones tan altas como las de RIX, hay que exigirles más que a un grupo más intrascendente.

La mencionada utilización de la música para comunicar un determinado discurso es algo que, realmente, lo extienden al propio arte. Así pues, RIX no es sólo un grupo de música, sino que utilizan cualquier medio para comunicar su mensaje, especialmente la literatura, compartiendo Miguel Rix también por descarga libre varios de sus libros. Las citas al cine y a la literatura son habituales en las canciones de RIX. De hecho, prima tanto el mensaje que es habitual la inclusión de voz en off en las canciones con citas y discursos, lo que para muchos puede ser abusivo, pero que deja claro que o se conecta con el mensaje o RIX pueden resultar muy pesados. Los propios discos suelen ser un tanto conceptuales, estableciéndose una unión con otras cosas como ensayos o novelas, escritos o no por Miguel Rix. En todo caso, en lo musical también intentan crear una propuesta novedosa, con influencias diferentes a las habituales en la parte dura del rock español. Pueden, realmente, gustar tanto a punks como a heavys, o incluso a alternativos, que es más o menos donde se les podría ubicar. En su primer álbum, Vuestros hijos bastardos (2005), se pueden observar ya sus interesantes influencias, eso sí, con un rock celta que los acerca a los también asturianos Dixebra, aunque influidos sobre todo por los británicos Skyclad, pero esta inclusión del folk era un tanto “de pegote”, introducida más por gusto que por enriquecer realmente a la banda, no es de extrañar que dejasen esta influencia a un lado en los siguientes discos. Este álbum llamó la atención del público rockero y empezaron a darse a conocer a nivel estatal, incluso según ellos tuvieron bastantes ofertas de discográficas que rechazaron para poder seguir teniendo el control absoluto sobre su música. Finalmente, desde entonces llegan a acuerdos puntuales con pequeñas discográficas y distribuidoras sin que éstas metan mano, y siguen compartiendo su música por Internet, apostando por el copyleft. Su segundo disco, o “trabajo conceptual” porque ellos son conscientes que lo de los discos está obsoleto por Internet, fue Al lobo dormido (2006), en donde dejan de lado el rock celta y se pasan al rock industrial, profundizando en lo que les hace diferentes dentro del rock español con rasgos de after-punk y metal gótico. Álbum que les consolida, indicando en su propia web sus 60.000 descargas, una especie de disco de oro de Internet. Su tercera obra, La máquina perfecta (2008), profundiza en el arte conceptual, acercándose al género idóneo para ello, el rock sinfónico. Éste, su cuarto álbum, Evolución: Iluminatti vs. Sapiens (2009), sigue ubicándose en el rock ambiental que caracteriza al grupo, incluso potenciándolo, lo que lo hace uno de sus discos más difíciles para el público, acercándose a Al lobo dormido (2006) pero menos electrónico. El fuerte del álbum son más que nunca las letras, profundizando más en quiénes están tras el poder. La temática conceptual del álbum gira en torno a la conspiración de los Iluminatti, todo un atrevimiento que entra de lleno en el terreno de la teoría, por lo que como es habitual en la banda, hay un tanto de paja mental ideológica. Cabe pensar cómo afectará el paso del tiempo a este disco, en el que hay tanta especulación, pero en todo caso, sean o no los sucesores de los Iluminatti los que están tras la banca y las multinacionales, la realidad de éstas últimas es reflejada de manera incontestable en este álbum. Así que, antes de desgranar los temas de este trabajo musical, dejo la web del grupo en donde se puede descargar el álbum además de contener links a información alternativa a los mass-media.

1 - Iluminatti

Miguel Rix muestra otro frente de batalla, la radio, con su programa online La célula revolucionaria de mariskalrock.com. Entre diversos efectos sonoros, extractos de su entrevista al periodista alternativo Rafa Pal. Esta interesante entrevista se encuentra completa en la propia descarga de este álbum.

2 - Ying contra Yang

Trata la guerra de sexos, tema escrito sin que encierre mucha reflexión y con el no mucho valor lírico habitual de la banda, por lo que la letra no es destacable pero, posiblemente, se trata de la primera canción del álbum por ser la más accesible, un corte bastante pegadizo de funk-rock embellecido por los melodiosos coros de Cristina Aura, característicos en el sonido del grupo.

3 - Aburridos

Crítica sin mucho tino al consumismo pero con un sonido que refleja acertadamente el tedio de las personas que basan su vida en comprar mediante un tono de blues con el aire atmosférico característico de la banda. Hacia el final cuenta con un correcto puente de guitarra junto a un coro de Cristina Aura.

4 - Moda absurda

El álbum empieza a alcanzar mayor nivel con esta canción de sonido más característico del grupo, un tema de rock electrónico ataviado de buenos riffs, también con pizcas de guitarras con melodías folk que están bien encajadas en un tema de aires tan sintéticos, construyendo una atmósfera exótica.

5 - Farmacia

Dentro de este álbum, éste es el tema más acelerado, con una buena base rítmica durante los versos. El rock industrial proporciona un sonido frio que encaja perfectamente en la crítica a la industria farmacéutica de este tema que lleva a cabo con corrección los cambios de tiempo sin que decaiga el constante ritmo.

6 - Network

Extracto de la visionaria película Network (1976) de Sydney Lumet, en la que la televisión serviría para idiotizar a la sociedad.

7 - Enemigo

Miguel Rix escribe una letra “orwelliana” de las que tanto le gustan en donde se resume mucho del mensaje del álbum. Es una de las mejores canciones del disco con el rock siniestro característico de la banda dando forma a un gélido leitmotiv que transmite el desazonador mensaje.

8 - Sapiens?

Mensaje subversivo contra lo que se esconde detrás de nuestras falsas democracias en un medio tiempo de riffs metaleros en el que la voz en off de Miguel Rix cobra especial importancia, siendo una de las canciones del disco en las que más fuerza tiene la crítica política.

9 - Los niños, los árboles y los ancianos

Inspirada en parte por un libro de Ignacio Abella, este corte crítica la incomunicación en sus diferentes formas tanto hacia los niños como hacia los ancianos, y también hacia los árboles y cómo el ser humano se aleja de la naturaleza y de sus necesidades de grupo por tanto para ser cada vez más individualista. Cristina Aura hace los coros con estilo folk, raigambre tradicional que se potencia con los teclados que ella introduce, simulando instrumentos de cuerda, en especial con pizzicatos, aunque hubiera sido deseable que se hubieran mojado más a la hora de fusionar con el rock.

10 - Lobos sueltos fuera de Matrix

Si en anteriores temas la inclusión de folk era moderada, en este tema ya sí cobra mucho protagonismo, con la evocadora armonía del didgeridoo (instrumento del folk aborigen australiano). Hay una auto-referencia, podría decirse, respecto a la temática del álbum Al lobo dormido (2006), pero introducida en el asunto de los Iluminatti de este disco, incluyendo voces en sanscrito evocando a la organización masónica de los antiguos Iluminatti. Cuando más lejos llegan con las letras, como es el caso, más interés despierta el grupo pues llegan hasta donde no muchos se atreven a llegar.

11 - Evolución

Una letra clara y directa que es el perfecto cierre del álbum, resumiéndolo de alguna manera y en sí recogiendo la esencia del grupo, la de compartir la información para evolucionar y así luchar contra el sistema. Recupera el rock sinfónico de La máquina perfecta (2008), siendo por tanto el trabajo musical más técnico del álbum. Tras el positivo mensaje finaliza el tema recuperando el tenebroso sonido del didgeridoo y las voces en sanscrito, para recordar que los Iluminatti mueven los hilos.

Evolución: Iluminatti vs. Sapiens (2009) no es uno de los mejores discos de RIX, aunque es apreciable que profundicen en su rock ambiental, sin caer en la concesión comercial de “hacer caña” porque sí. Miguel Rix canta... como siempre, y como puede... mientras que Cristina Aura es el segundo miembro más importante de la banda, engalanando las canciones con su atractiva voz y creando buena parte de las atmósferas con los teclados. Pero lo relevante del álbum son las letras, más por su contenido que por su lírica. Esto condiciona, sin duda, la percepción que se tenga sobre el álbum, siendo difícil su valoración al situarse en un extremo muy subjetivo, y es que para quienes no comulguen con su mensaje es posible que no se vean atraídos por el rock siniestro del grupo, mientras que para quienes sí encontramos cosas muy interesantes en lo que cuentan sí vemos bastante sustancia en el concepto de la banda. De hecho, los discos quizá no son lo más importante, incluso hay quienes consideran que vienen a ser acompañamientos de las novelas de Miguel Rix, algo así como sus bandas sonoras. El disco es el “reclamo”, por así decir, es el hilo del que tirar y tirar e ir recogiendo más información, y es que el grupo reivindica los medios alternativos para difundir información. Es una banda “producto de Internet”, podría decirse, por haber sabido utilizar este medio tanto para darse a conocer como para transmitir sus ideas, lo que hoy día se llama cyberactivismo. Pero, concluyendo, no es un álbum de grandes canciones, hay unos cuantos temas destacables y poco más, aunque se agradece que los mejores temas no estén colocados los primeros, sino que el disco va mejorando según se escucha, y aunque no sorprenden tanto como antes, siguen siendo interesantes, no sólo en lo letrístico sino también en lo musical, aunque ambos aspectos sean un tanto irregulares. En todo caso, para quienes buscan lo que el grupo ofrece, es una banda interesante a la que acercarse, pero de momento si uno evalúa cual maestra petulante este trabajo, puede decirse; progresa adecuadamente.

Oh si, bastante macabro ¿eh? Pero...en estas fechas veraniegas mi inspiración se ha ido a...a...a...vete a saber a dónde se ha ido...el caso que esto no va sobre mí, así que al tema... ¿Nunca habéis pensado en qué temas deberían sonar en vuestro funeral? A fin de cuentas es tu funeral, tu deberías elegirlo todo, no el jodido cura de turno ni tus familiares...porque sonarían las de siempre, y no,el funeral es tuyo,y debería sonar lo que tu quieras...solo faltaría que hasta en tu propio funeral te tuvieran que decir lo que debes hacer...Joder,¡ni que estuvieras muerto! A ver si mis queridos (y pocos) lectores se exprimen la cabecita y me dicen su lista...yo os dejo la mía :

- Say hello to heaven – Temple of the Dog (Temple of the dog,1991)

Este fue el primer tema que escribió Chris Cornell acerca de la muerte por sobredosis de su compañero de piso, Andy Wood, vocalista de Mother Love Bone. El inicio perfecto para tu funeral... “Say hello to heaven!” o “hell” si has sido malote.

Años 90: en las catacumbas de Bristol, ciudad de Inglaterra, existe una escena de hip hop con bastante solera. Algunos grupos empiezan a experimentar y a pervertir el hip hop con influencias del soul, del reggae y la electrónica. Todos ellos son amigos entre sí y sin ninguna ambición se dedican a colaborar entre ellos en canciones...estos chicos acabrán convirtiéndose en los pioneros de una género que la prensa clasificó como trip hop por su mezcla de hip hop y sonidos más cercanos a una electrónica pasada de ácido (trip = viaje), construyendo canciones de downtempo, mediante samples de otros artistas, de temática agridulce y paisajes melancólicos. Estos grupos serían Massive Attack, Tricky y Portishead.

Portishead nació en 1991, cuando se juntaron un artista local de Bristol que colaboraba con Massive Attack, Geoff Barrow, un guitarrista llamado Adrian Utley y la pequeña cantante Beth Gibbons.
En 1994, sorprendieron al mundo con Dummy, un disco con promoción nula pero que fue un fenómeno de masas en UK y Estados Unidos y que convirtió a una banda sin ninguna ambición en los cabezas de la escena de Bristol y el trip hop. Portishead lejos de quererse aprovechar del momento, no se sintieron nada reconfortados con la situación y apenas hicieron ningún tipo de publicidad y no se dejaban fotografiar, lo que otorgó a la banda un estatus de grupo de culto.
Dummy sería un disco luminoso, pero de temática melancólica gracias a una Beth Gibbons que escribía a tumba abierta líricas frágiles y débiles sobre sus miedos y obsesiones cantados con su increíble voz que otorgaba a las canciones un halo de misterio entre whisky y humo.
Algunos de los temas más famosos fueron Sour Times, Glory Box o Roads.
A pesar de las críticas muy positivas que recibió el disco, algunos críticos los tacharon de no tener talento para componer, que eran unos meros mezcladores, pues las canciones contenían samples de varios artistas.

Así, 3 años más tarde el grupo grabó la continuación de Dummy, al que nombraron simplemente Portishead. En Portishead, los ingleses facturaban un disco bastante alejado de la accesibilidad del debut, mucho más oscuro y poliédrico, con atmósferas más pesadas y temas más depresivos, fruto de la presión y del desencanto que les produjo toda la fama adquirida con Dummy. Básicamente intentan alejarse del denominado trip hop, término que ellos siempre rechazaron vehementemente, y de paso apartar a mucha gente que se acercó a ellos por la fama del debut.
Aún así se trata de un muy buen disco, y All mine llegó al top 10 de las listas británicas.
Los otros singles fueron Over y Only You.

En 1997 grabaron un directo con la New York Philarmonic orchestra en la sala Roseland de Nueva York, que se comercializó en VHS en 1998 y más tarde en DVD.
Después de esto, el grupo decidió tomarse un descanso, un largo descanso que sirvió para que sus miembros se dedicaran a colaborar con otros artistas y Beth Gibbons llegó a grabar un disco en solitario Out of season (2002).

Portishead se volvieron a juntar por primera vez, en 2005 para un concierto en beneficio de los damnificados por el Tsunami y anunciaron que estaban componiendo material nuevo en vista a sacar otro disco como Portishead. Este vio la luz en 2008 bajo el nombre de Third (no perdían el tiempo buscando nombres para sus discos, no...) y se caracterizaría por ser un disco que poco tenía que ver con sus anteriores trabajos cercanos al trip hop, si no que traía canciones mucho más cercanas al rock experimental y sobretodo, al industrial. Third contendría temas mucho más oscuros, pesados y crudos que alejó a ciertos fans de su etapa anterior pero que se llevó críticas muy positivas por parte de la gran mayoría de prensa especializada, que alabó la capacidad camaleónica del grupo, la voz cada vez más ajada de Beth Gibbons pero tan o más espectacular que siempre y unos conciertos realmente pasionales, con una actitud muy buena por parte de ellos, que anteriormente no se caracterizaban precisamente por su proximidad al público.
El disco vino precedido por el single Machine Gun, quizás el mejor y más significativo corte del Third, un tema de electrónica experimental con una contundente percusión (según cierta amiga, unas cacerolas...) y una interpretación vocal fantasmal de Beth Gibbons, que algunos críticos la consideraron de lo mejor del 2008.
Otros temas a destacar de Third fueron The Rip y Magic Doors, los singles.

Geoff Barrow expresó a finales de ese año 2008 sus ganas de entrar de nuevo al estudio para grabar material nuevo, así que los fans esperamos con entusiasmo una nueva entrega de estos magos de Bristol; junto a Massive Attack, uno de los grupos fundamentales de los 90.

Uno de los temas más profundos que ha escrito la banda de rock Radiohead y que cierra The Bends, su segundo trabajo, el que les situó como una banda talentosa después de ser considerados unos one-hit wonder por la archifamosa Creep (Pablo Honey,1992).
Street Spirit, además, se convertiría en el número más alto en las listas británicas del grupo hasta entonces (nº2) gracias a su vídeo entre surrealista y sombrío, su melodía desgarradora y pegadiza y por una letra críptica pero cargada de sentimiento.
Es tarea de quién esto escribe desmenuzar la letra y tratar de extraer el significado pero para que especular cuando el propio autor de la letra nos lo relata de manera tan minuciosa...les dejo con Thom Yorke:

"'Street Spirit' es nuestra canción más pura, pero no la escribí yo. Se escribió sola. Nosotros éramos simples mensajeros; sus catalizadores biológicos. Su núcleo es un completo misterio para mí, y, ya sabes, no volvería a intentar escribir una cosa así sin esperanzas. Todas nuestras canciones más tristes tienen en algún lugar un resquicio de firmeza. 'Street Spirit' no tiene firmeza. Es un túnel oscuro sin luz al final. Representa toda la emoción trágica que es tan doloroso que el sonido de esa melodía es su única definición. Todos nosotros tenemos una manera distinta de entender esta canción. Se llama indiferencia. Especialmente yo; yo separo mi radar emocional de esta canción, o si no no podría tocarla. Estallaría. O me daría algo en escena. Así es como su letra es un montón de mini-historias o imágenes visuales opuestas a la explicación cohesiva de su significado. Usé imágenes junto con la música que pensaba que podían transmitir la entidad emocional de la letra y la música al ir juntas. Eso es lo que significa 'all these things you'll one day swallow whole' (todas esas cosas que algún día te tragarás enteras). Me refería a la entidad emocional, porque no era capaz de articular la emoción. Estallaría...
Nuestros fans son más valientes que yo al dejar que la canción les penetre, o quizás no se dan cuenta de lo que están escuchando. No se dan cuenta de que 'Street Spirit' es acerca de mirar fijamente al puto diablo a los ojos, y saber que, sin importar lo que hagas, él siempre se reirá el último. Y eso es real, y verdadero. El diablo siempre se reirá el último en todos los casos, sin excepción, y si pienso en ello durante mucho tiempo, estallaría.
No puedo creer que tengamos fans que puedan tratar emocionalmente con esta canción. Eso es por lo que estoy convencido de que no saben de qué trata. Por eso siempre la solemos tocar hacia el final de nuestros sets. Me vacía, y me sacude, y duele como el infierno cada vez que la toco, mirando cómo miles de personas se ríen y sonríen, ajenos a la tragedia de su significado, como cuando tienes que sacrificar a un perro y está moviendo el rabo de camino al matadero. Eso es lo que parecen, y me rompe el corazón. Ojalá esta canción no nos hubiera elegido como sus catalizadores, y no lo reivindico. Pregunta demasiado. Yo no la escribí".

1991, Mother Love Bone ya se ha disuelto tras la muerte de Andy Wood en Marzo del 90, y el bajista Jeff Ament y el guitarra Stone Gossard andan en busca de un cantante para el grupo que tienen en mente formar. Para ello se dedican a grabar instrumentales para pasárselas a posibles cantantes interesados...una de ellas acaba en manos de Jack Irons, ex batería de los Red Hot Chili Peppers que se la da a su amigo Eddie Vedder, surfero y gasolinero en San Diego.
La leyenda cuenta que Eddie escuchó la cinta en la gasolinera, se fue a surfear e inmediatamente después se fue a su apartamento y se puso a pensar acerca de todo ello.
Al cabo de 3 días tenía listas las letras de los 3 cortes instrumentales de que se componía la cinta, le añadió la voz encima, le puso el título de Mamasan en la carátula, la puso en un sobre y la envió a la dirección de Seattle que ponía en el remitente de la carta que le llegó de mano de Irons. Cuando la carta llegó a Seattle, Stone Gossard y Jeff Ament la abrieron y quedaron sobrecogidos por el contenido, por la poderosa voz de Vedder y por las letras cargadas de metáforas y de misterios. Y llamaron a Vedder para decirle que viniera a Seattle a conocerse y a ensayar juntos. Había nacido Pearl Jam.
Eddie Vedder compuso esas 3 canciones como una mini opera rock acerca de las tribulaciones de una persona que a sus 13 años descubre que su padre había muerto y que la persona que él pensaba que era su padre, al cuál odiaba, era su padrastro y su madre cometía incesto con su hijo, pues este se parecía mucho a su padre (Alive) (Con algunos matices, ésta es la historia real de Eddie Vedder). Con el tiempo, esa persona se convierte en un asesino en serie (Once) y acaba en la cárcel dónde se dedica a recordar estos hechos y a esperar su próxima muerte (Footsteps).

Alive (Ten,1991)

Son, she said, have I got a little story for you
What you thought was your daddy was nothin but a...
While you were sittin home alone at age thirteen
Your real daddy was dyin, sorry you didnt see him, but Im glad we talked...

Oh i, oh, Im still alive
Hey, i, i, oh, Im still alive
Hey i, oh, Im still alive
Hey...oh...

Oh, she walks slowly, across a young mans room
She said Im ready...for you
I cant remember anything to this very day
cept the look, the look...
Oh, you know where, now I cant see, I just stare...

I, Im still alive
Hey i, but, Im still alive
Hey i, boy, Im still alive
Hey i, i, i, Im still alive, yeah
Ooh yeah...yeah yeah yeah...oh...oh...

Is something wrong, she said
Well of course there is
Youre still alive, she said
Oh, and do I deserve to be
Is that the question
And if so...if so...who answers...who answers...

I, oh, Im still alive
Hey i, oh, Im still alive
Hey i, but, Im still alive
Yeah i, ooh, Im still alive
Yeah yeah yeah yeah yeah yeah

Once (Ten,1991)

I admit it...what's to say...yeah...
I'll relive it...without pain...mmm...
Backstreet lover on the side of the road
I got a bomb in my temple that is gonna explode
I got a sixteen gauge buried under my clothes, I play...
Once upon a time I could control myself
Ooh, once upon a time I could lose myself, yeah...
Oh, try and mimic what's insane...ooh, yeah...
I am in it...where do I stand?
Oh, Indian summer and I hate the heat
I got a backstreet lover on the passenger seat
I got my hand in my pocket, so determined, discreet...I pray...
Once upon a time I could control myself
Ooh, once upon a time I could lose myself, yeah, yeah...
You think I got my eyes closed
But I'm lookin' at you the whole fuckin' time...
Ooh, once upon a time I could control myself, yeah...
Once upon a time I could lose myself, yeah, yeah, yeah...
Once, upon a time I could love myself, yeah...
Once upon a time I could love you, yeah, yeah, yeah...
Once [4x]
Yeah...once, once...yeah, yeah...
Yeah...yeah, yeah...yeah, yeah...oww...

Footsteps (cara b de Jeremy,1992)

Don't even think about reachin' me
I won't be home
Don't even think about stoppin' by
Don't think of me at all
I did, what I had to do
If there was a reason, it was you...

Don't even think about gettin' inside
Voices in my head, voices
I got scratches, all over my arms
One for each day, since I fell apart
I did, what I had to do
If there was a reason, it was you...

Footsteps in the hall, it was you, you
Pictures on my chest, it was you
It was you...

I did, what I had to do
And if there was a reason
Oh, there wasn't no reason, no
And if, there's something you'd like to do
Just let me continue, to blame you

Footsteps in the hall, it was you, you
Pictures on my chest, it was you, you

Directo al estómago. Johnny Rotten escribió en 1976 no tanto una proclama anarquista (jamás se declaró como anarquista) como una mofa hacia todo el sistema que regía las vidas de sus compatriotas. En realidad, se trata de una letra violenta y caótica como respuesta a los abusos que Rotten veía en la sociedad algo que por entonces nadie se había atrevido a hacer en el seno de la conservadora monarquía británica.
Cuando el single de Anarchy in the UK se puso a la venta en noviembre del 76 llegó al nº1 de las listas pero bastaron las dos primeras frases de la letra (“I’m an antichrist, I’m an anarchist”) para sublevar a toda la nación y para convertir a los Sex Pistols en el “mayor cáncer que había engendrado el Reino Unido” en palabras de un diputado conservador del Parlamento. Después sacarían “God save the Queen”, una canción que se mofaba de la familia real británica y que estuvo a punto de costarles ser expulsados del país.
Anarchy in the UK quedará como la canción que evidenció que algo podrido (rotten) había en el reino de Su Majestad la Reina Isabel II.

Después de escuchar en concierto esta canción, Bob Dylan, emocionado afirmó sobre Cobain “que este chico tiene corazón”.
Detrás de una melodía armoniosa y dulce se esconde la violación y tortura de una chica de 14 años, oriunda de Aberdeen (pueblo natal de Kurt) que volvía de un concierto de punk rock. Kurt Cobain leyó esta noticia y le impactó sobremanera, tardando 2 años en escribir una letra acerca del suceso, pues se encontraba emocionalmente sobrecogido...
Pero, sorprendentemente, “Polly” está narrada a partir de los pensamientos del violador y además, el narrador se permitió la licencia de añadir como la chica engaña a su captor y se escapa, cosa que no acaeció realmente. Tiempo después, Kurt Cobain escribiría “Rape Me”, una canción narrada a partir de una persona violada.
Cobain afirmaría que al componer la música de “Polly” se dio cuenta que era muy suave y dulce y que tenía que escribir una letra cruda y retorcida para compensar, consiguiendo en sus conciertos que a la gente le llegaran sus suaves acordes y sin darse cuenta estuviera cantando una letra acerca de un suceso bastante macabro...Así era la música de Nirvana...suave pero cruda, dulce pero retorcida...
“Polly” fue una canción incluida en el repertorio en directo de Nirvana durante casi toda su carrera y se recuerda su aparición en el extraordinario Unplugged in New York (1993), que dejamos a continuación.

Sin lugar a dudas uno de los grupos más influyentes de la música, cabezas del post punk, iniciadores del gothic rock, de la dark wave y de tantas y tantas etiquetas,...
Su debut “Unknown Pleasures” (1979) los situó ya en una corriente diferente del punk rock británico de la época gracias a su ritmo más lento, su experimentación, sus atmósferas frías y duras como el acero y las letras cotidianas de Ian Curtis.
En “Closer” (1980) refinaban este sonido con armonías y letras aún más perturbadoras y con un recurrente uso de sintetizadores que ya indicaba la trayectoria musical del que sería su siguiente proyecto post-Ian Curtis, “New Order”, uno de los grupos más carismáticos de la new wave.

Atrocity Exhibition:

My Bloody Valentine – Loveless (1991)

Hasta Isn’t anything (1989), Kevin Shields y los suyos no habían dejado de ser una banda más de noise tan típica de aquellos años, fieles seguidores de The Stooges y de Jesus and Mary Chain. Pero con el EP anteriormente citado, los irlandeses empezaban a destacar por un sonido único, fruto de sus influencias pero que llevaba hacia un lugar totalmente nuevo. El Shoegaze (de shoe = zapato y gaze= mirar fijamente)
Con este nuevo hallazgo, Kevin Shields puso toda carne en el asador para construir, después de 2 largos y arduos años (no en vano, su actitud hiperperfeccionista llevó a Creation, su discográfica, a la bancarrota) el que tenía que ser su mejor disco, insuperable y único en el mundo de la música...y a fe que lo consiguió, pues Loveless (1991) es uno de los discos más sorprendentes de la música moderna...pues, a pesar de ser 100% experimental el sonido que consigue es compacto y sin arañazos visibles.
Construye épicas melodías mediante muros y muros de guitarras distorsionadas, baterías compactas, y voces (o susurros,mejor dicho) de letras torturadas interpretadas por Bilinda Butcher, una de las mayores voces de culto del indie.
Se dice que aún hoy en día nadie ha podido superar la originalidad de este sonido, más propio del futuro que del presente y del pasado...Ni siquiera Shields lo ha conseguido pues desde entonces My Bloody Valentine no ha sacado material nuevo.

Sometimes:

Pixies – Surfer Rosa (1988)

Nevermind (1991) de Nirvana elevó a los altares del rock al mundo alternativo, pero el grupo favorito de estos grupos eran Pixies, grupo que sentó las bases sonoras del rock alternativo. Muros de guitarras distorsionadas, estructura con versos suaves y estribillos potentes, voces agresivas y todo con un recubrimiento de armonías pop.
Además, los de Boston aportaban letras surrealistas inspiradas en el incesto, el sexo desviado y los ovnis con la lírica en un spanglish muy particular del alma mater de los Pixies, Black Francis.
El debut en estudio de Pixies fue Surfer Rosa (1988) un LP abrasivo con una austera producción gracias a Steve Albini, el gurú del rock alternativo.
En temas como Bone Machine, Break your body o la conocidísima Where is my mind? los duendecillos de Boston daban rienda suelta a la cantidad de paranoias que poblaban sus mentes.
Más tarde facturarían otra obra maestra “Doolittle” (1989) dónde dulcificaron un poco su sonido sin perder una pizca de su mala leche y su surrealismo.

Bone Machine:

Black Sabbath – Black Sabbath (1970)

El debút de los ingleses ya de por si debería estar en cualquier lista de grandes discos de la historia, especialmente por haber dado a luz a un nuevo estilo “el heavy metal”.
Pero podríamos considerarlo como el padre de todos los discos perturbadores pues hasta entonces nadie se había atrevido a lo que en palabras de su líder, Ozzy Osbourne “si la gente pagaba por tener miedo viendo películas, porqué no hacer música que diera miedo”
Y sin duda, que Black Sabbath es un trabajo oscuro, tenebroso y frío empezando por su espeluznante portada dónde parece mostrar a una aparición (?) recogiendo leña cerca de una casa de campo apartada de toda civilización, y acabando por el comienzo tétrico del primer corte, llamado como el disco, y que nos pone en alerta con los aullidos, los ruidos de tormenta y los riffs de guitarra de Tommy Iommi.
A partir de entonces ya nada sería lo mismo...